100 лучших фильмов всех времен

Алехандро Ходоровски Пруллански, знаменитый чилийско-французский кинорежиссер, поэт, драматург и композитор, однажды сказал: Я всегда думал, что из всех искусств кино является наиболее совершенным искусством. Я согласен. Во многих отношениях кино на самом деле представляет собой объединение всех других важных форм искусства: живописи, письма и музыки. Не случайно кино является еще и самым современным видом искусства. В конце концов, для возникновения кино была необходима эволюция других видов искусства. Тот факт, что он остается самым популярным видом искусства почти с момента своего появления, говорит вам как о его силе, так и о его слабости: он легко доступен и, следовательно, более коммерциализируем.

Имея это в виду, я рад представить вам список фильмов киноголика. 100 лучших фильмов всех времен . Прежде чем вы приступите к изучению нашего списка 100 лучших когда-либо снятых фильмов, давайте еще раз напомним себе, что списки по своей природе никогда не бывают идеальными. Так что мы не утверждаем, что это Святой Грааль списка самых лучших фильмов в мире. Но я могу заверить вас, что для составления этого списка было проведено много исследований. Были рассмотрены тысячи названий фильмов, и каждый окончательный выбор обсуждался. Я уверен, вы обнаружите, что многие из ваших любимых фильмов отсутствуют в списке. Многих моих любимых тоже не хватает! Но вместо того, чтобы расстраиваться из-за этого, воспользуйтесь этой возможностью, чтобы посмотреть фильмы, которые вы не видели. Кто знает, возможно, вы обнаружите своих новых фаворитов!

100. Зонтики Шербура (1964)

Жак Деми окрашивает свою романтическую оперу в мягкую, непомерную утонченность, которая кажется немного хипстерской. Но этот цвет не только на стенах, одежде и зонтах. Это также на щеках молодой девушки, невероятно влюбленной, когда она переходит улицу, чтобы поприветствовать своего возлюбленного, и его отсутствие, когда мы видим это лицо в фате, молодой девушки, ставшей чьей-то невестой. Есть цвет и в том, как люди разговаривают или, точнее, поют друг другу. Но их лирические разговоры не рифмуются, как большинство песен. Когда все, от заявлений о любви до беспокойства о деньгах, пронизано неразличимой страстью, вам не стоит ловить рифму или причину. В то время как фильм и все его мелодические откровения, подкрепленные неземной музыкой Мишеля Леграна, душераздирающе романтичны, все решения наших героев, как и все в жизни, решительно не так.

Для столь утомительно известного сюжета, послужившего основой для бесчисленных поп-песен и мыльных опер, каждый кадр «Шербурских зонтиков», пронизанных меланхолией, маняще свеж, даже незнаком. Вы можете объяснить это тем, насколько искренними являются эмоции и насколько искренними являются их выражения. Работая в таком скромном масштабе, «Зонтики» опустошают вас малейшими отражениями. Я был ошеломлен тем, насколько существенным может быть влияние двух пустых стульев, когда-то занятых двумя влюбленными. В любовно приготовленном Деми лакомстве мы маршируем карнавалами, наполненными лентами и конфетти, наряжаем елки и дарим друг другу подарки, пряча все свои чувства где-то в уголках сердца, потому что как бы ни было тяжело переносить чье-то отсутствие или прошлое — это забыть, все, что мы можем сделать, — это жить в фантазиях сегодняшнего дня.

99. На игле (1996)

Немного сложно объяснить таким киноманам, как мы, фанатизм «На игле». Это произошло в то время, когда реальность наркотиков только начала доходить до меня. Можно сказать, что это приукрашивало злоупотребление наркотиками, и в какой-то степени это правда. То, что из этого получилось, было попыткой Дэнни Бойла показать взлеты и падения злоупотребления наркотиками, не вставая ни на чью сторону. «На игле» — культовый фильм, рассказывающий историю четырех друзей и их свидания с зависимостью. Возмутительно и причудливо — вот два слова, которыми можно описать это. Наркоман, который хочет очиститься, но спотыкается на каждом шагу из-за своего глубочайшего желания накуриться. Щедро перенасыщенный юмором, фильм с предельной серьезностью пытается подчеркнуть факт: несмотря на роскошь, которую предлагает жизнь, молодежь с большим апломбом отрицает ее. А причины? Нет причин. Кому нужны причины, когда у тебя есть героин?

98. Выпускник (1967)

Ах, дни юности! Беззаботный и радостный. Веселье наполнено не о чем беспокоиться. Не заботясь о прошлом, которое осталось позади, и не беспокоясь о будущем, которое еще впереди. Бенджамин Брэддок вел эту беззаботную жизнь после окончания колледжа. А когда он, наконец, вернулся в родной город, там он встретил миссис Робинсон. Пламя романа начинает гореть. Жизнь принимает крутой оборот, когда молодой Бен принимает секс за дружбу. Все становится шиворот-навыворот, когда он влюбляется в ее дочь. Наводящий на размышления фильм, оформленный в стиле комедии, «Выпускник» — один из самых смешных фильмов всех времен. В главной роли Дастин Хоффман, в нем есть культовая фраза: «Миссис Робинсон, вы пытаетесь меня соблазнить?»

97. Двойная жизнь Вероники (1991)

Пожалуй, ни один другой режиссер не понимал женщин с такой глубокой эмоциональной глубиной, как Кшиштоф Кесьлёвский. Мужчина просто любил их, и он демонстрировал это с такой страстью и близостью, что вы не можете не чувствовать очарования их грубой эмоциональной силой. «Двойная жизнь Вероники» может быть его величайшим художественным достижением. Фильм о женщине, которая начинает чувствовать, что она не одна и что часть ее живет где-то в мире, в другой душе. Вероник и Вероника — две одинаковые женщины, которые не знают друг друга, но между ними существует таинственно интимная эмоциональная связь. Сильно стилизованная операторская работа Славомира Идзяка придает фильму нежно-меланхоличный оттенок, который завораживает и не отпускает. Есть чувства и эмоции, которые нам очень трудно выразить словами, и фильм дает жизнь этим необъяснимым чувствам задумчивой грусти и одиночества. «Двойная жизнь Вероники» — потрясающее произведение искусства, изображающее человеческую душу во всей ее прекрасной хрупкости и нежности.

96. Синема Парадизо (1988)

Многие люди считают кино баловством, досугом, развлечением, не имеющим никакого значения в жизни. Но я, с армией ярых синефилов, горячо поддерживающих меня, могу с абсолютной убежденностью заявить, что кино так же необходимо для жизни, как жизнь для кино. И «Cinema Paradiso» — прекрасный, хотя и ироничный, способ донести мою точку зрения. Успешный кинорежиссер Сальваторе однажды возвращается домой и узнает, что Альфредо умер, после чего он возвращается в свой родной город на Сицилии 1950-х годов. Молодой и озорной Сальваторе (по прозвищу Тото) обнаруживает в себе непреходящую любовь к фильмам, которая заманивает его в деревенский кинотеатр «Синема Парадизо», где Альфредо работает киномехаником. Влюбившись в мальчика, старый мальчишка становится для него отцовской фигурой, поскольку он кропотливо обучает Тото навыкам, которые станут ступенькой к его успеху в кино.

Смотреть, как Тото и Альфредо с благоговением обсуждают кино, и видеть, как Альфредо дает жизненные советы с помощью цитат из классических фильмов, — это чистая радость. Через историю взросления Тото «Cinema Paradiso» проливает свет на изменения в итальянском кинематографе и умирающую отрасль традиционного кинопроизводства, монтажа и показа, исследуя мечту маленького мальчика покинуть свой маленький город, чтобы отправиться в мир снаружи. Один из лучших «фильмов о фильмах».

95. «Пролетая над гнездом кукушки» (1975)

Один из тех редких киноопытов, который заставляет вас испытывать множество эмоций одновременно. Местами смешно, местами воодушевляюще, а местами просто разрывает сердце. Это также один из других редких подвигов в упрощенном, эффективном повествовании, рассказывающем о Рэндле Макмерфи, преступнике, который в надежде избежать тюремного заключения притворяется психически больным и не признает себя виновным на основании невменяемости. По прибытии в психиатрическую больницу он восстает против авторитарной медсестры Рэтчед (которую играет суровая Луиза Флетчер) в классическом сценарии «порядок против хаоса». В фильме показано, что действительно нет никого лучше, чем сам Джек Николсон, который мог бы сыграть персонажей с силой и обаянием в равной степени, что принесло ему заслуженную награду «Оскар» за его игру в фильме. То, что начинается как прочный и трогательный фильм, перерастает в трагический, хотя и обнадеживающий финал, после тревожных сцен, связанных с самоубийством и электросудорожной терапией пациентов. Фильм, тем не менее, не отпускает зрительского внимания и пафоса к героям на экране, вызывая неподдельные эмоции и радость за человеческий дух, который исходит даже перед лицом безответной власти.

94. Пьяаса (1957)

Насыщенный идеями социальных изменений и язвительными комментариями о господствующей злобе и стигматизации общества, «Пьяаса» не только олицетворял золотой век индийского кино, но и был отражением самой индийской буржуазии. Это фильм, который сам по себе имеет тонкое качество, в котором все наглые истины и суровые реалии общества кипят под поверхностью, ожидая, чтобы их исследовали и экстраполировали внимательные зрители. «Пьяаса» — вечная классика не без оснований. Даже спустя 60 лет после выпуска он остается актуальным в наше время, потому что Индию по-прежнему преследуют те же социальные проклятия — коррупция, женоненавистничество, материализм, — с которыми прямо или косвенно обращается «Пьяаса».

93. Новое время (1936)

«Современные времена» — это юмористический фильм с мощным посланием. Продолжая фирменные темы Чаплина о надежде и бедности, эта картина фокусируется на неблагоприятном воздействии машин и других форм технологических достижений на простых людей, привлекая внимание к фабричному рабочему, чья жизнь проходит через множество перипетий, когда он пытается справиться с новым миром. Хотя фарс до слез смешной, все это заключено в сосуде грусти. «Modern Times» использует умные, тонкие элементы, чтобы время от времени задавать важные философские вопросы. Кульминация - одна из самых трогательных за всю историю, включающая печальную форму счастья и отсутствие реального ответа или решения. Этот фильм вполне может быть лучшим написанным произведением Чаплина, и удивительно, насколько актуальны идеи, представленные здесь, даже сегодня. Несомненно, выдержав испытание временем, путь, по которому Modern Times делится своими мыслями, вероятно, является лучшим аспектом этого кинематографического триумфа.

92. Тонкая красная линия (1998)

Возвращение Терренса Малика к кинопроизводству после 20-летнего перерыва было отмечено этой потрясающей военной драмой, в которой исследуется не война, а эмоции войны. Фильм действительно маликовский по своей природе, с большим акцентом на визуальные эффекты, чем на историю, что позволяет вам погрузиться в него. Гениальность фильма заключается в том, что Малик видит красоту в чем-то столь темном и кровавом, как война. Требуется абсолютный гений, чтобы превратить что-то столь жестокое и кровавое, как война, в такой гипнотический опыт, который превосходит реалии войны и вместо этого позволяет вам погрузиться в эмоции ее персонажей. Это такой захватывающий опыт, который просит вас почувствовать людей за пушками и бомбами. Это опустошенные души, такие же, как и мы, жаждущие нежного прикосновения, скучающие по теплу дыхания своих возлюбленных и жен, и вынужденные иметь дело с самой уродливой реальностью вдали от них. «Тонкая красная линия» — это просто уникальный опыт; то, что нужно увидеть, почувствовать и осмыслить.

91. Бегущий по лезвию (1982)

Финальная версия «Бегущего по лезвию» Ридли Скотта, я считаю, величайшей антиутопией, когда-либо созданной. Хотя «Метрополис» — спорный выбор, нужно обратить внимание на неаутентичные визуальные эффекты, связанные с немецким экспрессионистским кино. «Бегущий по лезвию», с другой стороны, более чем идеален в создании мира, страдающего от финансового неравенства, демографического бума, дефицита чего-либо естественного, потому что здесь нельзя доверять даже плоти. Мерцающее освещение контекстуально естественно, потому что это электронный мир, и Джордан Кроненвет использует его так же, как повседневные светящиеся объекты в фильмах нуар. Хотя это может не задавать таких далеко идущих вопросов, как «Космическая одиссея», но заставляет задуматься, мечтают ли андроиды об электрических овцах.

90. Фарго (1996)

Жестокий, смешной, теплый и жестоко напряженный, «Фарго» — один из лучших американских фильмов 90-х и одна из величайших криминальных драм, когда-либо созданных. Фильм рассказывает о мужчине, который нанимает двух мужчин, чтобы те похитили его жену и вымогали деньги у богатого тестя. Блестящее использование черного юмора братьями Коэнами пронизывает фильм атмосферой тепла, что придает фильму очень характерный тон. Именно эта мастерская смесь комедии, драмы и насилия делает «Фарго» таким незабываемым кинематографическим опытом. Этот великолепный вступительный кадр заснеженной Миннесоты, красиво дополненный навязчивой музыкой, задает тон фильму и вызывает чувство глубокой печали, которое скрывается за насилием и юмором, которыми наполнен фильм. Фрэнсис МакДорманд, безусловно, звезда фильма и затмевает всех, изображая беременного начальника полиции, оказавшегося в мире зла и жестокости, но которому удается найти свет и надежду. «Фарго» — эмоционально грубый, жестоко напряженный, мило смешной и болезненно реалистичный образец чистого захватывающего кино.

89. Голова-ластик (1977)

«Голова-ластик» — это учебник по атмосферному хоррору. Рассказывая историю человека со странными волосами, который пытается создать своего рода семью самостоятельно, этот фильм с каждой минутой превращается все больше в сюрреалистический кошмар. Используя звук и крупные планы, чтобы вызвать чувство клаустрофобного страха, и совместив это с сюжетом, который не имеет большого смысла при первом просмотре, дебют Дэвида Линча оказывается одним из лучших в творчестве мастера, что само по себе является высокой похвалой. Что делает «Голова-ластик», так это создает антиутопический мир — забрызганный уродливыми зданиями и механическими приспособлениями, погруженными в злобный черно-белый — и помещает в него персонажей, которые более или менее сбиты с толку своим окружением. Хотя понять значение этой картинки почти невозможно, нужно понимать, что это никогда не было намерением. «Голова-ластик» вызывает у зрителей чувство крайнего дискомфорта, используя визуальные эффекты и сюрреалистический стиль, и находит способ манипулировать их мыслями. Лишь немногие фотографии столь же красиво структурированы, но, несомненно, угрожающи, как эта, и это может сделать только кто-то вроде Линча.

88. Отрочество (2014)

«Отрочество» — это приятное напоминание об ушедших годах безудержной радости, непоколебимого оптимизма и кипящей невинности. Он основан на извлечении красоты, радости и эмоций из обычной жизни людей, а не из какого-то усиленного драматического акта (хлеб с маслом для большинства фильмов). Удивительно наблюдать, как от сцены к сцене меняются не только физические характеристики персонажей, но и вы заметите трансформацию их моды, прически, музыкальных вкусов и вообще взглядов на жизнь. «Отрочество» выходит за рамки кинематографа, как это делают очень немногие фильмы, и становится крошечной частью нашего собственного существования и опыта. Линклейтер снова напоминает нам, почему он лучший в своем деле, когда дело доходит до рассказывания простых историй о простых людях.

87. Дни рая (1978)

Эволюция Терренса Малика в полностью контролируемого, авторитетного кинематографического провидца — одно из величайших событий, которые когда-либо случались с американским кинематографом. Из его ранних работ видно, что он отчаянно пытался выпрыгнуть за привычные рамки кинематографа. В таких фильмах, как «Бесплодные земли» и «Райские дни», повествование казалось простым, но это были фильмы, которые пытались быть чем-то большим. Что-то большее, чем просто история. Опыт. «Days of Heaven» достигает этого блестяще, чем «Badlands». Многие люди часто критиковали фильм за слабую сюжетную линию. Я не могу сказать, что они совсем неправы, но история, в любом случае, не самый важный аспект фильма. Что Малик делает здесь, так это использует визуальность кино, которая делает акцент на настроении истории, а не на самой истории. Его намерения не в том, чтобы вызвать у вас эмоции, используя тяжелое положение персонажей, а в том, чтобы позволить вам наблюдать за ними, чувствовать красоту пейзажей и аромат этого места. И создать такой внутренне трогательный опыт — не что иное, как чудо.

86. Могила светлячков (1988)

Острый, трогательный фильм, который находится на одном уровне во всех аспектах, о которых вы только можете подумать, с другими фильмами с живыми боевиками, посвященными военным трофеям. Этот японский анимационный фильм сосредоточился на ужасах Второй мировой войны, сосредоточившись на жизнях пары братьев и сестер, разбил мне сердце так, как ни один другой фильм не смог, и продолжал топтаться на куски до самого конца. Будучи военным фильмом, он также творит чудеса на человеческом фронте, прекрасно раскрывая и развивая нежные отношения между Сейтой и Сецуко перед лицом невзгод Второй мировой войны. Сообщение громкое и четкое. Ни одна война не выиграна по-настоящему, и всякая слава, связанная с победами, также сопровождается стенаниями о невинных жизнях, загубленных на войне. Я бы поаплодировал фильму за то, что он не был откровенно эмоционально манипулятивным, заставляя нас болеть за его персонажей; но не заблуждайтесь, его мощная и бескомпромиссная точка зрения на войну и пародии, которым подверглась пара братьев и сестер, превратит вас в рыдающий беспорядок. ЭТО грустно. Как говорится, другого пути у меня не было бы. Это совершенство в его самой душераздирающей форме.

85. Манхэттен (1979)

Романтика в фильмах Вуди Аллена всегда казалась до боли правдивой и удручающе реалистичной, несмотря на восхитительно пронзительное чувство юмора, которым он их окутывает. В то время как «Энни Холл» остается его самым смелым фильмом, «Манхэттен» кажется более зрелой работой в художественном отношении. В фильме Аллен играет скучающего, растерянного жителя Нью-Йорка, недавно разведенного, встречающегося со старшеклассницей, но в конечном итоге влюбляющегося в любовницу своего лучшего друга. Аллен немного приглушил юмор в этом фильме, чтобы мы могли по-настоящему ощутить печаль, охватившую его персонажей, что делает его таким эмоционально истощающим. Это просто очень пронзительный портрет шатающихся отношений и несовершенных людей, борющихся с собой и своим существованием, отчаянно ищущих счастья, которое они никогда не узнают и не достигнут. И именно это деликатное, острое понимание человеческого состояния делает «Манхэттен» таким сильным фильмом.

84. Маркета Лазарова (1967)

Бестелесный фантастический пейзаж чешской иконы Франтишека Влачила, Marketa Lazarová, просто одно из самых невероятных произведений искусства, появившихся в 20-х годах прошлого века.^йВека. Его авангардный подход к кинематографическому языку едва вписывается в рамки этого часто осуждающего оборота речи — ведь это нечто большее. Потрясающее слияние изображения и звука, не связанное условностями, структурой или какими-либо письменными правилами, которые бунтующие киноведы накладывали на форму фильма на протяжении многих лет. По сравнению с этим все остальное выглядит таким жестко контролируемым, таким неестественным и надуманным в исполнении. Маркета Лазарова сырая, интуитивная и поразительно динамичная. Короче: это бесплатно – настоящая вершина возможностей исследования каждого дюйма кинематографической среды. За это он входит в число величайших фильмов, когда-либо созданных.

83. Поющие под дождем (1952)

Singin’ In The Rain — самый определяющий мюзикл Золотого века Голливуда. Невозможно забыть образ Джина Келли, танцующего у уличного фонаря, когда мы говорим о блестящих моментах в кино. Фильм восхитительно отмечает не только собственное мастерство, но и переход кинематографа из визуальной среды в резонирующую и стимулирующую. Монументальное достижение в кинематографе Technicolor, режиссерская работа Келли была забавно отвергнута критиками и зрителями поначалу. Я считаю, что актуальность этой классики растет день ото дня, так как разрыв между временными периодами, охватываемыми фильмом (реальной и художественной жизнью), и настоящим все больше увеличивается. Мы теряем связь с важной эпохой, и этот фильм наполняет вас своей ностальгией.

82. Не смотри сейчас (1973)

Очень сложно найти произведение визуального искусства, столь же гипнотическое, как «Dont Look Now» Николаса Роуга. Во многом этот шедевр похож на отвратительного карлика в конце. Он красиво украшен восторженными красками, но таит в себе худшую часть жизни: смерть. Независимо от того, насколько эффективен персонаж Сазерленда, я считаю, что это фильм, основанный на эмоциях, поскольку Роуг ставит погоню за потерянной любовью над убедительной историей. Готическая основа — очень мощный прием, чтобы продемонстрировать важность уз, на которые она опирается, отцовской и семейной любви, а также придать смутную форму призракам, преследующим главного героя. Некоторые места похожи на людей, некоторые сияют, а некоторые нет.

81. Бойцовский клуб (1999)

Время от времени появляется произведение искусства, которое определяет психику поколения. Что касается кинематографа, то в 50-х был «Бунтарь без причины», в 60-х — «Выпускник», а в 70-х — «Американское граффити». И даже два десятилетия спустя «Бойцовский клуб» как нельзя лучше соответствует задумчивому, недовольному, настроенному против истеблишмента духу нашего поколения. Как и многие великие фильмы, «Бойцовский клуб» вызывает разногласия и может быть философски истолкован по-разному: некоторые считают, что он определяет современную мужественность, в то время как другие считают, что он прославляет насилие и нигилизм.

По сути, триллер, фильм рассказывается от точки зрения неназванного главного героя, страдающего бессонницей и недовольного своей монотонной работой, который пересекается со стремительным мыловаром по имени Тайлер Дерден. Дерден и главный герой вскоре открывают подпольный «Бойцовский клуб», чтобы недовольные члены общества могли выразить свой гнев. Но вскоре планы Тайлера и отношения рассказчика выходят из-под его контроля, что приводит к взрывной кульминации (буквально!)

Наряду с наплевательским отношением, которое он пропагандирует, «Бойцовский клуб» также является отличительной чертой первоклассного направления современной легенды Дэвида Финчера. Мрачная цветовая палитра, четкий монтаж и ловкая операторская работа вдохновили на создание множества мрачных триллеров, следующих за фильмом. Революционный фильм 1990-х.

80. Перед закатом (2004)

Вот правда об эволюции человека, которую вам никто не расскажет: скоро человечество потеряет искусство разговора. Технологические достижения имеют большой побочный эффект: люди все меньше и меньше заинтересованы в реальном разговоре, потому что у них есть технологии, за которыми можно спрятаться. И именно поэтому серия Before будет актуальна в ближайшие десятилетия. Серия фильмов о двух людях, ведущих реальный разговор, — редкость даже для нынешнего поколения. В будущем таких фильмов вообще не будет. Вот почему будущие поколения будут оглядываться на трилогию «До» с трепетом и удивлением. И я не удивлюсь, если трилогия найдет достойное место не только в истории кино, но и в библиотеке каждой киношколы.

Среди трех фильмов «До» «Перед закатом» выделяется, потому что он самый душераздирающе красивый. Фильм, который по своей сути о самом сильном желании человека: желании быть с кем-то, с кем вы могли бы провести остаток своей жизни. Если присмотреться, «Перед закатом», в конечном счете, становится зеркалом, заглянув в которое, можно судить о собственных отношениях: где вы ошиблись? Кто на самом деле был для вас? Какие возможности вы упустили? Что могло быть? Это один из самых редких фильмов, в котором ваш собственный жизненный опыт обогатит и подпитает ваш опыт работы с фильмом.

79. Матрица (1999)

Гениальная, умная идея, воплощенная на экране Вачовски, привела к созданию фильма, который заставил многих зрителей настороженно относиться к реальности, в которой они оказались. Это правда, когда «Матрица» была создана, пути назад уже не было, она изменилась вещи. Фильм не только открыл новые горизонты в своей истории, но и произвел революцию в том, как после этого стали восприниматься научная фантастика и боевики. Успех «Матрицы» как фильма также заключается в том, как он мастерски колеблется между темами, включая философию, экзистенциализм и даже религию, и при этом носит вид боевика и научно-фантастического фильма. Способность Нео манипулировать смоделированной реальностью для совершения, казалось бы, невозможных подвигов, а также использование замедленного действия, техника действия, которая сейчас является не чем иным, как культовой, добавляет изобретательности фильму. Жанр сейчас может быть раздутым, но когда он только появился, можно с уверенностью сказать, что зрители не видели ничего подобного.

78. Седьмой континент (1989)

Называть «Седьмой континент» Михаэля Ханеке фильмом ужасов звучит очень неправильно, но именно так его называет большинство людей, которые его видели. С ними трудно спорить, потому что просмотр этого фильма оставляет чувство безысходности, депрессии и страха. Имея дело с семьей, которая ненавидит мир и жизнь в целом, эта классика 1989 года занимает холодную и отстраненную позицию, чтобы еще больше изолировать трех игроков от остального общества, что медленно, но верно заставляет аудиторию глубоко сочувствовать им как своим. существование принимает темный оборот. Будучи одним из самых тревожных фильмов, когда-либо появлявшихся на киноэкранах, дебют Ханеке насмехается над зрителем и никогда не отпускает. Если зрители называют это фильмом ужасов, то они делают это, имея в виду фильм ужасов, не похожий ни на один другой. Покрытый двусмысленностью и реализмом, Седьмой континент — это личный, интимный и пугающий пересказ реальной истории, которая оставляет вас в тишине, потому что, по крайней мере, пару минут после ее окончания вы не можете произнести ни слова.

77. Зодиак (2007)

«Зодиак» — это не обычный триллер; он медленный и больше сосредоточен на настроении и персонажах, чем на сюжете. Есть аура, которую Дэвид Финчер создает настолько сильно, что вы можете почувствовать настроение фильма своими костями. Это не тот фильм, который оставит вас счастливым, когда он закончится. Это также фильм, в котором плохой парень побеждает, а хороший проигрывает. И поэтому это так хорошо. Не просто хороший, а современный шедевр. Когда фильму удается дергать вас в течение полных двух с половиной часов и заставлять думать в течение нескольких дней, он, должно быть, сделал много правильных вещей, которых нет в обычных триллерах. На мой взгляд, «Зодиак» — лучший фильм Финчера, где он, с его дисциплиной и диапазоном навыков, показывает, почему иногда меньше значит лучше.

76. Магнолия (1999)

«Магнолия», несомненно, является самой личной работой Пола Томаса Андерсона. Истерическая атмосфера, которой Андерсон наполняет фильм, придает мелодраме определенную эмоциональную текучесть, которая невероятно затягивает и обладает катарсисом по своей энергии. Действие фильма происходит полностью в долине Сан-Фернандо, где различные взаимосвязанные персонажи проходят разные этапы своей жизни, пытаясь справиться со своими внутренними демонами и эмоциональными конфликтами. Андерсон любит этих людей, он знает и понимает их, но без извинений представляет их такими, какие они есть; совершенно голые человеческие существа, грубые и чистые, противостоящие и преодолевающие свои самые глубокие страхи и слабости. Что делает «Магнолию» такой особенной, так это то, что это фильм, который так много рассказывает о своем режиссере. Нам дают возможность заглянуть в жизнь Андерсона, место, которому он принадлежит, и людей в его жизни. Во всем фильме так много Андерсона. Такой фильм, как «Магнолия», если бы его снял любой другой режиссер, казался бы устаревшим и в значительной степени продуктом своего времени, но с Андерсоном это только добавляет привлекательности фильму.

75. «Ребенок Розмари» (1968)

«Ребенок Розмари» это темное, извращенное произведение искусства, которое играет с невинностью, чтобы вызвать чувство ужаса. Имея дело с женщиной, у которой возникли осложнения во время беременности, фильм идет по совершенно новому сюжету, позволяя ритуальным элементам играть главную роль. В этом фильме так много всего, что можно полюбить, начиная от хорошо прописанных персонажей и заканчивая отдаленной задумчивой обстановкой, которая окружает каждое происходящее событие. На протяжении всей картины всегда чувствуется напряжение, и это отчасти благодаря молчаливой, затяжной кинематографии, выполненной в жестком режиссерском стиле Полански. Миа Фэрроу демонстрирует здесь лучшую в своей карьере роль Розмари Вудхаус, женщины, которая становится слабее, борясь с болью, связанной с вынашиванием ребенка. В целом, атмосфера, запечатленная в этом фильме, соответствует немногим другим, и то, как она проникает в вашу кожу, действительно нечто иное.

74. Хороший, плохой, злой (1966)

Завораживающие персонажи, сыгранные легендарными актерами, безудержный, жестокий экшн, захватывающая музыка и напряженная операторская работа — третья часть трилогии «Доллары», которая считается рождением спагетти-вестернов, — это снисходительное, захватывающее и развлекательное кино в лучшем виде. Блонди или Безымянный (Хороший), профессиональный стрелок, и Туко (Уродливый), разыскиваемый преступник, невольно заключают союз, когда каждый из них узнает важную деталь о тайнике с золотом, спрятанном беглым сообщником. которого Ангельские Глаза (Плохой), киллер, нанят для убийства. Путешествие трио составляет суть захватывающего сюжета, который заканчивается классическим взглядом вниз в стиле вестерн. Клинт Иствуд в роли Блонди — воплощение мужественности, Ли Ван Клиф в роли Ангельских глаз — олицетворение зла, а Эли Уоллах в роли Туко добавляет сложности характеров импульса и ярости к более простым, но более эффектным действиям двух больших звезд «Добро против зла». Но бразды правления навсегда в руках режиссера Серджио Леоне — он использует длинные планы и напряженную операторскую работу крупным планом, чтобы создать напряжение в процессе. Определяющий жанр фильм Квентина Тарантино, одного из величайших представителей современного вестерна, однажды назвали «Самым лучшим фильмом в мире».

73. Странствующие игроки (1975)

Слишком долго сокровенный, искусно собранный эпос Тео Ангелопулоса был известен немногим киноэнтузиастам и, возможно, ценился еще меньшим числом. Его величественное, постепенное возведение кинематографического памятника нашим эзотерическим, загадочным отношениям со временем, понятно, не для всех. Но для любопытных среди нас известно, что оно обеспечивает утешение, дает мудрость и дает восприятие, которое помогает найти константы, за которые можно держаться в этом универсально и жестоком динамичном мире. Среди многих вещей, которые этот фильм делает правильно, — это его первозданное понимание откровений в сказке «Орест». Мифология, связанная с трагической фигурой, запечатлена с ошеломляющим смирением, и все же фильму удается перенести нас своим гибким видением в меланхоличный, затяжной взгляд на Грецию середины 20-го века. Его временная элегантность оправдывает просмотр истории, стоя рядом с труппой: снаружи внутрь. Вы склонны одновременно ощущать ее резкость и размышлять о ее создании. Это редкий урок антифашистской истории, потому что он никогда не говорит нам, что думать. Он только показывает нам, что нужно чувствовать. Ангелопулос и оператор Гиоргос Арванитис помещают нас в душераздирающие места и размывают их разрушительной жестокостью того времени. «Путешествующие игроки» — это скромная редкая жемчужина, которая выглядит так, как будто ее спасли от бунтующих улиц и пережили голодную смерть. Проще говоря, мы этого не заслужили.

72. Кэш (2005)

Михаэля Ханеке часто обвиняют в том, что он всегда имеет дело с мрачными рассказами. Эта характеристика совершенно несправедлива, потому что то, что он, по сути, делает, - это дает гуманное понимание тьмы, которая окутывает всех нас, того, как наше ошибочное восприятие приводит к мучительной изоляции и как наши заблуждения уменьшают наши шансы преодолеть эту изоляцию. «Кэш» — это не только массивный, жгучий документ, указывающий на жестокость резни на реке Сена 1961 года и бесчеловечность нашего общества, но и поэтически универсальное исследование характера. Жорж, наш главный герой, воспринимает жизнь и свое присутствие как социальное существо с искаженным чувством радости. Он убегает от комфорта доверия и общения с другими. Он наслаждается своим отчуждением, точно так же, как он отталкивает многих, кто так дорог ему. Этим Ханеке издевается над поколением, которое хочет, чтобы его оставили в покое. Его камера временами необычайно далека, как и многие из нас по отношению к нашему окружению. Но под его контролем мы должны противостоять нашей непристойности, нашей невнимательности, нашей реальности. Один из самых сложных фильмов, которые вы когда-либо видели.

71. Дух улья (1973)

Испанский мастер Виктор Эриче снял всего три художественных фильма, прежде чем уйти на пенсию. Все еще живые сегодня, его фильмы, такие как Эль-Сур, Айва «Дерево Солнца» и особенно «Дух улья», его неопределимый дебют, заставляют нас всех желать, чтобы он все еще снимал фильмы. Парабалическая история о двух детях, один из которых исследует свое существование с невинным, часто сбивающим с толку увлечением, а другой одержим фильмом «Франкенштейн», который шел в их местном кинотеатре. Его загадочный портрет испанского центра оставлен в заманчивой двусмысленности из-за характерно нейтрального направления Эриче, редко отваживающегося на кинематографический метод в пользу молчаливого наблюдения. Получившаяся в результате работа сбивает с толку, захватывает и заставит вас задуматься о внутренней загадке самой жизни: о ее неразрешимых вопросах, ее великих тайнах и их сбивающей с толку неприступности. Чтобы оставить вас совершенно опустошенными или несравненно тронутыми, нет никаких сомнений в том, что любой крайний «Дух улья» будет важным опытом.

70. Все люди президента (1976)

Уотергейт. Одно слово, которое опустило занавес на президентство Ричарда Никсона и заставило людей осознать, что даже человек уровня президента может опуститься до минимума, чтобы добиться своей цели. Пока дружки президента были заняты наведением порядка в устроенном им беспорядке, двое репортеров уловили его запах. Несмотря на надвигающиеся угрозы, они работали не покладая рук, преследовали даже мельчайшие зацепки и временами подвергали себя опасности в процессе донесения фактов до людей. Основанный на одноименной книге, написанной репортерами Бобом Вудвордом и Карлом Бернштейном, «Все люди президента» представляет собой проницательное наблюдение того, какой должна быть настоящая журналистика. Режиссер Алан Дж. Пакула, фильм был номинирован на восемь премий «Оскар», в итоге выиграл три и, кстати, уступил лучшую картину «Рокки».

69. Армия теней (1969)

Я думаю, что для новичков в творчестве Жан-Пьера Мелвилла отличным примером для сравнения может стать Стэнли Кубрик. Оба практикуют исключительную техническую точность и излучают абсолютную уверенность в каждой работе, которую они выполнили на протяжении долгой и творчески прибыльной карьеры. При этом дешёвая, но вызывающая претензия, которую любой может предъявить американскому режиссёру, — это его «бездушие». Вакансия человеческого выражения. С Мелвиллом такого нет. В «Армии теней» персонажи Мелвилла горят горькой искрой отчаяния, которая заставляет каждое их действие сочиться человечностью. В смертоносном мире движения Сопротивления военного времени одно неверное движение может привести к полному разрушению, и именно с вышеупомянутой грацией и виртуозным контролем над своим кинематографом Мелвилл сеет семена вполне правдоподобного, убедительно мертвого мира. «Армия теней» — одно из самых тихих, интригующих и монументально трогательных произведений французского кинематографа, и пропустить такую ​​преступно забытую классику значило бы оказать себе серьезную медвежью услугу.

68. Сияние (1980)

В своей адаптации классики Стивена Кинга Стэнли Кубрик создал в 1980 году фильм, который дал новое определение жанру ужасов. Здесь дело не только в истории или персонажах, которых пугает рождение. Окружающая среда и то, как она была снята, чудесным образом помогают ошеломляющему напряжению проникнуть в сознание зрителей. В фильме рассказывается о Джеке Торренсе, недавно назначенном смотрителе отеля «Оверлук», и его семье, которые проводят период полной изоляции в загадочном здании. Благодаря потрясающему исполнению и великолепной операторской работе Кубрик делает так, чтобы содержание фильма проникло глубоко в наше подсознание. То, как он манипулирует звуком и атмосферой, совершенно невероятно и создает незабываемые и леденящие душу два с половиной часа. Мир «Сияния» красиво темна, крепко сжимая вас за воротник на протяжении всего захватывающего дух третьего акта.

67. Чайнатаун ​​(1974)

Есть фильм-нуар и нео-нуар, и прямо между ними сидит Джейк Гиттс, аккуратно одетый в хрустящую фетровую шляпу, которая дополняет ухмылку на его лице. Несмотря на то, что он большой поклонник Поланки, всегда есть что-то, что не соответствует конечному продукту его фильмов. Кроме Чайнатауна. Этот основополагающий шедевр не только создал себе индивидуальность, но и всегда привлекает внимание кинематографистов, которые заимствуют его стиль для создания индивидуальности своего фильма. Полански — волшебник в действии, обманывающий нас различимыми ролями, а также классическим нуарным темпом и обстановкой. Но затем наступает последний акт Чайнатауна, который так быстро разрушает все условности, которые изначально были связаны с подобными детективными фильмами, что вы остаетесь с непреодолимым чувством шока и отчаяния. Его неспособность победить Крестного отца 2 до сих пор меня озадачивает, но спустя полвека люди забыли о Сицилии, но никогда — о Чайнатауне.

66. Сатанинское танго (1994)

Признание номер один: я почти никогда не видел растянутого, потрясающего шедевра Белы Тарра. Можно было бы предположить, что его непревзойденный статус кинофила и выдающаяся репутация, которую он заработал в кругах американского арт-хауса и среди некоторых из самых информированных кинокритиков по всему миру, заинтриговали бы меня. Но сама необъятность его продолжительности (около 432 минут) и лори-подобный темп, которым я так наслаждался в «Гармониях Werckmeister» Тарра, казались пугающими. Признание номер два: я впервые увидел «Sátántangó» с первого раза. Я был загипнотизирован его прагматическим чувством реального мира и его терпеливым, расчетливым чувством кино. Он больше наблюдал, чем размышлял, и больше обдумывал, чем делал четко сформулированные заявления. Его мифический мрачный реализм был слишком хорош, чтобы быть правдой, и слишком жесток, чтобы быть реализованным с таким вниманием к красоте.

Все, что я хотел сделать к концу, это закрыть все окна и окутать себя тьмой, потому что фильм для меня был как тот сумасшедший в церкви, и его стенания имели слишком много смысла. Признание номер три: я с радостью сообщаю, что дальновидные социальные и политические размышления «Сатантанго» начали проясняться для меня, поскольку я неоднократно возвращался к ним. Лето, проведенное за чтением романа Ласло Краснахоркаи, послужившего исходным материалом для фильма, было особенно запоминающимся. Все, что я могу сейчас сделать, это надеяться и дальше пожинать плоды этого счастливого случая.

65. Экзорцист (1973)

«Экзорцист» Уильяма Фридкина поставлен идеально. Этот человек печально известен своим беспорядочным карьерным путем, когда классика смешивается с дерьмом (и часто две группы пересекаются для некоторых увлекательных исследований кинематографического бесстыдства). В своем лучшем фильме Фридкин решил снять драму, которая, как оказалось, была о демонической одержимости: пришивая пафос к своим сложным персонажам и интуитивно переводя текст оригинального автора Уильяма Питера Блатти, застрявший между верой и парализующими сомнениями. Конечный результат двух замечательных художников, работающих на пределе своих возможностей, чтобы создать блестящую классику американского кино: фильм, который затмевает почти все фильмы в своем жанре (за исключением, возможно, бессовестно ужасающего «Пробуждения в страхе» или счастливого турне Тоуба Хупера). -сила Техасская резня бензопилой ). Просто потрясающий.

64. Суспирия (1977)

Ибо в наших снах мы входим в мир, который полностью принадлежит нам — Джоан Роулинг. А что, если один из самых извращенных умов кинематографа решил распылить свое подсознание на кусок пленки? Считается, что «Суспирия» Дарио Ардженто бросает вызов кинематографической логике своим странным сюжетом. Но я считаю, что это неоэкспрессионистский шедевр, отражающий истинную суть кино, которое должно заставить нас чувствовать себя по-настоящему, по-настоящему живыми. Ардженто понимает ценность пространства и, следовательно, уделяет больше внимания кинематографии и декорациям, которые являются доминирующими обитателями его фильма. «Суспирия» представляет не только стиль Ардженто, но и весь итальянский ужас, жанр, вдохновленный эстетикой искусства.

63. Сбежавший мужчина (1956)

Безупречно точный и вдохновляюще экономичный, редкий мишень Робера Брессона попал в цель в фильме 1956 года «Побег человека». Пик переменчивых способностей этого человека как режиссера, он следует за попытками французского агента сопротивления Фонтена сбежать из все более опасной нацистской тюрьмы и находит смысл в каждом отдельном кадре. От ошеломляюще человечного изображения главной роли неактером Франсуа Леттеррье, чьи впалые щеки и выколотые глаза так убедительно выражали сокрушительную тяжесть жизни в военное время, до минимализма Брессона, сумевшего культивировать жгучую близость между аудиторией и сказал отчаянный мужчина: Из частых POV и элегантных композиций, которые не слишком увлекаются техникой, окружающие работы Брессона иногда утонули. Я бы не вырезал ни одного кадра, и поэтому фильм служит абсолютно жизненно важным способом обучения для подающих надежды режиссеров: рисовать что-то такое яркое и плотное, но при этом не чувствующее себя властным.

62. Убить пересмешника (1962)

В такие времена нет лучшего фильма, чем «Убить пересмешника», чтобы объяснить неонацистам истинное значение касты, вероисповедания и расы. Действие происходит во времена разделенной по расовому признаку Америки, афроамериканца обвиняют в нарушении скромности белой женщины. На пике расовой несправедливости, когда суд, полный белых людей, жаждет его крови, дело сводится к одному человеку, чтобы вести его дело. Один белый мужчина по имени Аттикус Финч. Он доблестно боролся за утверждение того факта, что все люди созданы равными в суде, независимо от того, цветные они или нет. Его усилия оказываются тщетными, поскольку суд объявляет мужчину виновным. Но что остается со зрителем, так это урок, который Аттикус Финч прививает своим детям. То есть «никогда по-настоящему не поймешь человека, пока не рассмотришь вещи с его точки зрения». Основанный на одноименном бестселлере Харпер Ли, «Убить пересмешника» — один из величайших фильмов всех времен.

61. Окно во двор (1957)

Что отличает шедевральный триллер от заурядной нечистоты, регулярно наваливающейся на нас, так это то, что в последнем повороты происходят мгновенно, опираясь больше на наш шок, чем на правдивость поворота, чтобы произвести впечатление. Но в таких фильмах, как «Окно во двор», мельчайшие детали, очевидные со времен прикованного к инвалидной коляске профессионального фотографа Л.Б. Джефф Джеффрис смотрит в свое заднее окно, накапливая воду по капле, пока они не затопляются, заставляя безобидного Джеффа подозревать, что человек, живущий через двор, совершил убийство. Хичкок мастерски использует свою камеру, как инструменты иллюзиониста, чтобы держать своих зрителей в напряжении, одурачить и гадать, пока не откроется сногсшибательная картина. Через навязчивое преследование Джеффом интересующего его предмета Хичкок комментирует заблуждения вуайеризма, насколько заманчивым он может быть и мрачность одинокого городского образа жизни, который к нему приводит. Что еще более невероятно, это такой же комментарий о вуайеризме зрителя, как и Джеффа; как мы очарованы очарованием Джеффа. Смотреть, когда на тебя не смотрят, — злая радость; Хичкок знает это, восхищается этим и привлекает к себе нас.

60. 4 месяца, 3 недели и 2 дня (2007)

Некоторые фильмы трогают вас; некоторые заставляют вас смеяться; некоторые разбивают тебе сердце. «4 месяца, 3 недели и 2 дня» относятся к особой категории фильмов: тем, которые заставляют волноваться и нервничать. Как вы уже догадались, такие фильмы, вероятно, самые редкие из редкой породы. Фильм рассказывает о двух друзьях, которые пытаются устроить аборт при жестоком коммунистическом режиме Чаушеску в Румынии. Интуитивный и бескомпромиссный фильм держит вас за шкирку и никогда не отпускает. Смотреть этот фильм — все равно, что испытывать мучительное чувство, которое возникает, когда вы нервно ждете, когда кто-то из ваших близких выйдет из операционной после операции. Это не просто реалистическое кино в лучшем виде; это также один из самых судьбоносных фильмов, которые вы когда-либо видели.

59. В прошлом году в Марианских Лазнях (1961)

Фильм Алана Рене 1961 года «В прошлом году в Марианских Лазнях». это самое близкое, что мы подошли к визуализации сна, и сделано это настолько странным образом, насколько это возможно. Музыка, играющая фоном на протяжении большей части времени выполнения, действует как успокаивающее средство, которое погружает зрителей в сонное состояние. Несмотря на это, практически невозможно оторвать глаз от экрана, потому что на картинке так много всего происходит, хотя показано лишь немногое. Мне нравится думать о прошлом году в Марианских Лазнях. как фильм, воображаемый из подсознания, из-за его повторяющегося и запутанного характера. Персонажи также сбиты с толку странным миром, в который они попали. Это зрелая и утонченная пьеса, и я нахожу основной сюжет — вовлекающий мужчину и его отношения со странной женщиной, с которой он отчетливо помнит встречу год назад, хотя она не помнит того же о нем — очень захватывающей, оригинальной, страстный, романтичный, сказочный и, конечно же, блестящий.

58. Земляника (1957)

Вы когда-нибудь были в дороге, где нет ничего лучше, чем смотреть в окно? Некоторое время вы смотрите на вид снаружи, прежде чем ваши мысли врываются, и то, что снаружи, теперь просто шаблон — оно больше не удерживает ваше внимание. Так случилось и с Исаком Боргом, главным героем классической пьесы Бергмана, которая вошла в бесчисленные списки лучших фильмов всех времен, в том числе в список, составленный Стэнли Кубриком в 1963 году. Он едет со своей невесткой, чтобы получить степень. доктора Джубилариса из его alma mater. Она его не любит и собирается бросить сына. Но нашего Профессора, которого играет гениальный Виктор Шёстрём, мало интересует будущее. Его мысли и, как следствие, фильм, вызванный множеством людей, которых он встречает на своем пути, проливают свет только на его прошлое. Через прощающую, уверенную линзу Бергмана его воспоминания просты, знакомы и человечны. Они не прославляют его жизнь и не отвергают его достижений. Они неряшливы, как и большинство наших, и преднамеренно искажены. Когда он, наконец, прибывает на место, чтобы получить честь, мы понимаем, что он никогда не нуждался в награде. Он уже получил это в той клубнике, которую он собирал со своей возлюбленной детства, торговцем, который помнил его, непростыми отношениями с женой, хорошим и плохим, искупительным и непростительным. Как и мы в образе этого таинственного, необъяснимо трогательного фильма.

57. Правила игры (1939)

Гениальная, острая комедия нравов Жана Ренуара удивительно хорошо сохраняется спустя столько лет, оставаясь при этом такой же игривой и преследующей, как всегда. Во время выхода его избегали как критики, так и зрители, в результате чего Ренуар вырезал значительную часть фильма после провальной премьеры - часть, в которой в основном фигурировал персонаж Октава, которого играл сам Ренуар. Едва ли удивителен его рост с тех пор. Этот фильм с его хитрым, авторитетным жонглированием персонажами, темами, тонами и обстановкой всегда безумно интересен, но никогда не становится менее усердным или менее роскошно созданным, чем лучшее из мирового кино того периода. Его тщательно созданные визуальные эффекты пульсируют изощренностью, но усилия никогда не видны, и фильм заставляет вас замереть в изумлении, насколько глубоко вы запутались в его искусно созданной атмосфере. Кинематографисты Жан Бачелет и Ренуар играют с камерой таким образом, что это придает фильму воздушность, но их неустанный контроль делает его постоянно интригующим предприятием. Если всего этого недостаточно, вы должны знать, что Ален Рене однажды сказал, что этот фильм был самым потрясающим опытом, который он когда-либо испытывал в кино. Трудно найти более восторженную рекомендацию.

56. Третий человек (1949)

Фильм-нуар — это жанр, связанный с фильмами, которые изобилуют темными улочками, скрытными, соблазнительными персонажами, ощущением тайны и сливочным черно-белым цветом, чтобы покрыть все это. Хотя многие из этих картинок интригуют и предлагают хорошо провести время, немногие пробуют что-то инновационное и необычное. «Третий человек» — один из величайших фильмов-нуаров, когда-либо созданных, потому что он исключительно хорошо рассказывает свою поразительную историю, используя впечатляющие голландские наклоны, яркий свет и красивую музыку. Фильм повествует о мужчине и его самостоятельном расследовании убийства своего финансово состоятельного друга. Сюжет Третий человек наполнен романтикой, черным юмором, поворотами и неизвестностью. По своей сути фильм можно назвать сладкой историей любви, но, учитывая все остальное, это увлечение вызывает сомнения. Магнум опус Кэрол Рид, играющий по мастерски написанному сценарию, держит вас в напряжении на протяжении всего пути от скромного, беззаботного первого акта до финала, который вполне может стать самым умным финалом любой картины, которую вы когда-либо видели. когда-нибудь увижу.

55. Крики и шепоты (1972)

Трагическая семейная драма Ингмара Бергмана повествует о печали, одновременно безукоризненно отчаянной и лихорадочно неотложной. Это не терпеливо построенная сцена за сценой и доставленная на блюдечке к концу. Его заставляют вдыхать с самого начала фильма, где главные действующие лица и их закаленное горючее горе представляются великолепными крупными планами, в которых ярко проявляется их удушающий дискомфорт. Все это покрыто неумолимым изобилием красного, в форме малинового, которым окрашены стены дома, в котором происходит история. Бергман заставляет нас осознать зловоние смерти, окружающее женщин, с такой внушительной направленностью, что настоящая смерть не вызывает беспокойства. Жестокое стремление женщин превратило все в фильме в навязчивое, пропитанное кровью воспоминание. Неизменно увлекательные визуальные эффекты Свена Нюквиста смягчаются тонким письмом Бергмана и мастерски прожитой игрой актеров. Яркая Лив Уллман, кажется, озадачивает и приводит в восторг каждый раз, когда на нее смотрит камера, в то время как недоверчивые Ингрид Тулин и Харриет Андерссон настолько безупречны в своей работе, что соприкосновение с их чувствами кажется агрессивным. Бергман не дает нам четких идей, которые можно взять домой, но отказывает нам во всех других ощущениях, кроме тех, которые испытывают его персонажи. Нам интересно, как далеко простирается его доступ к нашим эмоциям, и он расширяет его на каждом шагу. В конце концов, «Крикам и шепотам» нужно не верить, а жить.

54. Однажды на Диком Западе (1968)

Может быть, это захватывающий саундтрек Морриконе или, может быть, видение Делли Колли, столь же обширное, как Запад, или, может быть, непоколебимая твердость, суетливая в глазах Бронсона и Фонды, и, может быть, это кульминация всех этих аспектов почти в каждом кадре маэстро Серджио Леоне. . Если вам нужен вестерн, сочетающий в себе красоту Джона Форда и неумолимую дикость Сэма Пекинпа, то рядом с Леоне просто никого нет. В своем выдающемся произведении он достигает того, что потребовалось ему в 3 фильмах ранее, чтобы создать мистический мир в глуши. Хотя на поверхности может и не быть ничего духовного, в фильме есть боги. Боги в коронах, наполненных 10 галлонами пороха и песка, который они глотают с водой. Кроме того, выбор Генри Фонды в качестве антагониста, вероятно, был решением того десятилетия, поскольку его ледяные голубые глаза не были похожи ни на что, что когда-либо видел Запад.

53. Энни Холл (1977)

Никто не может претендовать на то, чтобы понять запутанную, всепоглощающую загадку любви, как Вуди Аллен. И ни один фильм Вуди Аллена не приблизится к тому, чтобы показать его во всем его подлинном, причудливом великолепии, чем эта история об Элви Сингере, невротическом комике-нигилисте из Нью-Йорка, который влюбляется «больше, чем просто» в легкомысленную, взбалмошную, веселую Энни Холл и потом выпадает из него. Фильм также исследует гендерные различия в сексуальности через отношения Элви и Энни «Инь и Ян». В конце концов, даже Элви принимает любовь как нечто иррациональное, безумное и абсурдное, но необходимое в жизни. Использование нескольких новаторских приемов повествования, таких как импровизированное разрушение четвертой стены, быстрое чередование прошлого и настоящего с помощью плавных переходов, отображение в субтитрах того, что чувствуют Элви или Энни, хотя на самом деле они говорят что-то совершенно другое, и добавление ' история в истории» как кульминация, поднимите и без того захватывающую историю. «Энни Холл», вероятно, первый по-настоящему модернистский роман на целлулоиде, вдохновивший целое поколение романтических комедий. Однако никто не так очарователен, как тот, кому они стремятся подражать.

52. М (1931)

Появление технологии записи голоса, явление, шапкой которого стал «Певец джаза» 1927 года, привело к абсурдной насыщенности диалогов в кино. Эта технология воспринималась как нечто само собой разумеющееся как прямое обновление, а не как инструмент, который можно использовать в сочетании с устоявшимся кинематографическим языком. Фриц Ланг, человек, который начал свою карьеру в немом кино с ряда мастерских работ, включая «Судьба», «Игрок доктора Мабузе», «Нибелуген» и исключительный «Метрополис». Его миграция к звуку достигла своего пика в «М» 1931 года — фильме, который, вопреки всем окружающим источникам, убрал почти весь окружающий шум. В результате получился немой звуковой фильм с совершенно безжизненной атмосферой, который так эффективно подкрепляет его повествование. Рассматриваемая история наносит удар по убийце детей и некомпетентности правительства Германии в его поимке - создании собственного суда кенгуру для наказания убийцы. То, что Лэнг сообщает здесь, имеет невероятную зрелость в послании: правосудие, которое заслуживает того, чтобы его вершили, полностью подорвано политическим контекстом того времени - с зарегистрированной политикой эвтаназии Национал-социалистической партии и все более жестокими идеалами, проявляющимися как порочная опухоль на обвинениях людей. . Исполнение Петера Лорре, богатое пафосом и вымученным гуманизмом, помогает понять глубокую ложь «М», которая остается неизмеримо трогательной даже по сей день.

51. 12 разгневанных мужчин (1957)

Ответа на вопрос, виновен мальчик или нет, мы никогда не узнаем. Но одна вещь, которую «12 разгневанных мужчин» действительно подтверждают, заключается в том, что логика всегда будет преобладать над интуицией, если среди дураков есть хоть один здравомыслящий человек. А глупость — болезнь или просто побочный продукт невежества? Драма Сидни Люмета не требует, чтобы вы использовали свой мозг вместо сердца, но стремитесь достичь точки, когда вы можете принять решение, когда оба работают в тандеме. Наряду с захватывающим сценарием, который с гордостью входит в учебную программу каждой киношколы по всему миру, операторская работа и постановка прямо из классики японской Новой волны. Фильм «12 разгневанных мужчин» с незабываемым выступлением актерского состава стал памятником американского кино.

50. Огни большого города (1931)

Немногие ранние режиссеры имеют такое же признание и популярность в современной культуре, как Чаплин. Это может быть из-за многих причин. Его фильмы обращены к обывателю и невероятно смешны, но более того, его истории рассматривают меланхоличные ситуации в юмористическом свете. Так обстоит дело с его, вероятно, самой личной картиной «Огни большого города», в которой рассказывается история о бродяге и его попытках произвести впечатление, а также помочь бедной слепой цветочнице. Он делает это под видом, притворяясь богатым человеком, чтобы привлечь ее внимание, но при этом сталкивается с проблемами. Когда фильм остается таким же забавным и трогательным в наши дни, каким он был более 75 лет назад, это обычно означает, что он что-то делает правильно. «Огни большого города» оставили свой след в мире своим изображением бедности и жизни в тяжелые годы Великой депрессии, которое настолько хорошо исполнено и прочувствовано, что никогда не перестает трогать зрителей, все время давая им надежду на успех. лучше завтра.

49. Иди и смотри (1985)

Вторая половина невероятно квалифицированной съемочной группы, режиссер Элем Кильмов, был женат на Ларисе Шепитько, ярком виртуозе, создавшем «Крылья» и «Восхождение». Когда она так прискорбно погибла в автокатастрофе, Килмов закончил работу над своим исключительным незавершенным проектом «Прощание» (который вполне мог бы занять это место) — и я думаю, что весь этот контекст настолько силен, так это то, как горе мужчины переливается в каждый кадр его работы. Кино Килмова кипит от невыразимой ярости и отчаяния: неуклюжий в своей подавляющей массе эмоций - и лишь немногие фильмы, которые когда-либо были сняты, пульсировали таким сильным чувством, как Приходи и смотри . Возможно, лучший фильм о войне, когда-либо созданный, его адское изображение вторжения вермахта в Белоруссию перекликается с оглушительными взрывами, кошмарными визуальными эффектами и миром, который медленно высасывается из жизни - его сцены сняты в великолепном пустом свете. И все же во всей этой муке Килмов находит путь к пониманию в ее трансцендентно зрелом заключении. Возможно, в своей приверженности созерцанию быстротечности жизни он, наконец, находит в себе силы похоронить кости своей покойной жены. Можно только надеяться.

48. Седьмая печать (1957)

С самых первых изображений культового документа Бергмана о вере, страхе и довольстве на вас накладывается заклинание. Суровый, зернистый взгляд на море, берег и на нем отважного рыцаря и его судьбоносную встречу с олицетворением смерти определяет ясность объективности фильма, хотя и оставляет место для постоянно присутствующей соблазнительной, почти пугающей двусмысленности. Благодаря магнетическому исполнению несравненного Макса фон Сюдова и группы актеров, которые подняли удивительный материал Бергмана, основанный на его пьесе «Живопись по дереву», на неожиданный уровень, «Седьмая печать» за свои скудные 90 минут имеет влияние старой басня, передаваемая из поколения в поколение, которая расширяет воображение гораздо больше, чем оно может надеяться вместить. Искрящиеся, четкие черно-белые изображения Гуннара Фишера гарантируют, что душераздирающая интенсивность ползет под нашей кожей. Подобная потоку текучесть является результатом повествования, развернутого с возвышенной уверенностью и ощутимой уравновешенностью. Это может быть очень простая история, которая, тем не менее, таит в себе ценные идеи, но она сшита из такой замысловатой и смелой ткани, что вы не можете не смотреть на нее снова и снова, чтобы она превратилась в прочную память.

47. Сладкая жизнь (1960)

Осторожно, терпеливо и поэтически смягченный виртуоз Феллини в полной мере проявляется в его обладателе Золотой пальмовой ветви, который в своем проникновенном и мрачном гламуре отражает образ жизни, который кажется слишком неуловимым и в некотором смысле слишком реальным. Его темп подчеркивает чувство бесцельности главного героя и заставляет нас погрузиться в симфоническую аранжировку яркости жизни и того, насколько все это быстротечно. Главного героя играет лучший в своей карьере Марчелло Мастроянни, который использует этот дар времени, чтобы наполнить свои глаза непреодолимой усталостью от мира. Ставить под сомнение значение некоторых разделов «Сладкой жизни», которые могут показаться лишенными философского смысла или повествовательной значимости, означает отвергать возможность позволить пикантным подробностям захлестнуть вас, а затем обдумывать последствия. По мере того, как небесная музыка Нино Рота переносит нас в головокружительный мир Рима, увиденного иллюзорным глазом Феллини, вы видите только то, что он хочет, чтобы вы видели, и это быстро становится тем, что вы тоже хотите видеть.

46. ​​Психо (1960)

Людей в лучшем случае можно охарактеризовать как своеобразных. Человеческий разум, способный на многие поразительные вещи, также способен вырождаться до непостижимого уровня. «Психо» Альфреда Хичкока не нуждается в представлении, поскольку он держит голову высоко среди вечных кинотеатров. Помимо того, что это классика, это еще и печальный комментарий о падшей морали людей. И это не Норман Бейтс, заметьте! Едкая хватка миссис Бейтс, из-за которой жизнь Нормана превратилась в депрессию в детстве и, в конце концов, во взрослой жизни, является напоминанием о том, как любовь может удушать. Известно, что г-н Хичкок принял странную политику для «Психо», которая заключалась в том, чтобы не допускать в фильм опоздавших. Он был принят, чтобы обеспечить полную справедливость пульсирующей кульминационной сцене фильма. Триллер в своей истинной форме, «Психо» — это история о сыне, его матери и их нездоровой связи собственничества. Хичкок так яростно охранял финал, что продвигал фильм под лозунгом «Не выдавайте концовку — она у нас одна!»

45. Солярис (1972)

«Солярис» Тарковского очень похож на явления, изображенные в фильме. От того, что озадачивало меня своей глубоко укоренившейся концепцией, до эволюции в сущность, с которой я не могу расстаться, это опыт, который заставляет меня задуматься о бессознательной природе каждой молекулы, составляющей вселенную. Мы, возможно, знаем о научных измерениях, но может ли какой-либо прибор рассчитать количество любви или печали, которое содержится в нанограмме сердца? Может ли что-нибудь найти клетку мозга, в которой хранится незабываемое воспоминание? От завораживающей музыки Баха во вступительной части до вечной сцены на шоссе — Тарковский мастерски использует время, чтобы отвлечь зрителя от функционирования нормального мира. Солярис — это царство, где эмоции посылают вас в безумие, но кто бы не стал проявлять эмоции, когда безумие красиво на ощупь и достаточно интуитивно, чтобы освободить вас от самого себя.

44. Список Шиндлера (1993)

Важный фильм, который в значительной степени выигрывает от таланта Спилберга к драматизму, сам по себе является в равной степени тревожным и чувствительным опытом. Этот фильм, как и многие другие в этом списке, является мастер-классом по тому, что я называю упрощенным, впечатляющим повествованием. Повествование следует за Оскаром Шиндлером, немецким бизнесменом, который спас жизни более тысячи евреев, наняв их на свои фабрики во время Холокоста. Все три главных героя, Лиам Нисон в роли Оскара Шиндлера, Рэйф Файнс в роли Амона Гота и Бен Кингсли в роли Ицхака Стерна, находятся в потрясающей форме, демонстрируя самую искреннюю игру. Сцена, особенно ближе к концу фильма, где Шиндлер ломается, думая, сколько еще жизней он мог бы спасти, глубоко трогательна и остается в моей памяти как одна из самых сильных, душераздирающих сцен в кино. То, что фильм был снят в черно-белом цвете, с редким случайным использованием цвета, чтобы символизировать или выделить важный элемент, усиливает впечатление. Легко говоря, лучший фильм Спилберга, он остается важным опытом просмотра фильмов.

43. Лоуренс Аравийский (1962)

Кино как средство массовой информации становится все более грандиозным. Имея в своем распоряжении передовые технологии, сегодняшние кинематографисты предлагают нам интуитивный кинематографический опыт. Но есть некоторые фильмы, снятые до того, как компьютерная графика вошла в моду, чей чистый и монументальный масштаб не нашел себе равных. Эпическая историческая драма Дэвида Лина, основанная на жизни Т. Э. Лоуренс , один из самых известных британских деятелей, является одним из таких фильмов. В нем играет Патер О'Тул в роли Лоуренса и рассказывается о его приключениях на Аравийском полуострове во время Первой мировой войны. С самого начала Дэвид Лин рисует великолепную движущуюся картину бесконечной пустыни во всей ее красе с помощью оператора Фредди Янга и захватывающей музыки Мориса Жарра. Но это ни в коей мере не жертвует эмоциями ради экстравагантности. По своей сути, «Лоуренс Аравийский» представляет собой потрясающее исследование характера Лоуренса — его эмоциональную борьбу с личным насилием, присущим войне, его собственную личность и его разделенную верность между его родной Британией и ее армией и его новообретенными товарищами внутри. племена аравийских пустынь. Это полезное качество делает «Лоуренс Аравийский» одним из самых влиятельных фильмов, когда-либо существовавших.

42. Искатели (1956)

Возможно, величайший вестерн из когда-либо созданных, лучший фильм великой карьеры Джона Форда, «Искатели» — американская классика, один из лучших фильмов пятидесятых годов. Несмотря на то, что в то время его восхищали и уважали, его разрывающая, ошеломляющая сила не была признана в течение нескольких лет, но к началу семидесятых он был провозглашен классикой жанра и, возможно, лучшим вестерном из когда-либо созданных. Конечно, время подорвало часть силы фильма, но не ту возвышающуюся, яростную игру Уэйна и не расизм в фильме, который подпитывает гнев и ярость. Движущее повествование фильма, Итан и его поиски, вне времени, столь же сильное сегодня, как и тогда, возможно, даже более того, потому что многие тонкие сюжетные моменты теперь ясны.

41. Патер Панчали (1955)

Фильм, который открыл миру индийское кино и подарил кинематографу одного из лучших режиссёров Сатьяджита Рэя. Основанный на романе Бибхутибхусана Бандопадхая, «Отец Панчали» рассказывает историю обедневшей семьи, пытающейся выжить во многих жизненных невзгодах. Можно возразить, что это романтизирует бедность, поскольку зритель становится свидетелем многих испытаний, с которыми сталкивается семья, зарабатывая себе на жизнь. Несмотря на это, именно моменты, перемежающиеся музыкой маэстро Рави Шанкара, остаются со зрителем. Нежные отношения между Аппу и ее сестрой Дургой, эпизод с поездом, который является одним из самых ярких моментов фильма, выводят фильм на совершенно другой уровень. «Отец Панчали» за эти годы стал одним из культовых фильмов и регулярно фигурирует в списках величайших фильмов всех времен, и вполне заслуженно.

40. Касабланка (1942)

Типичный американский классический фильм. Возможно, есть что-то настолько заразительное в его очаровании, что вы все еще влюбляетесь в него, даже спустя столько лет. Помимо огромного фактора возможности повторного просмотра, запоминающийся саундтрек (As Time Goes By!) и в высшей степени цитируемые диалоги являются веским доводом. Проще говоря, это удовольствие, когда все элементы отличного кинематографического опыта присутствуют в нужном количестве!

Сюжетная линия, мягко говоря, проста, местами граничащая с банальностью. Циничный, убитый горем человек, управляющий самым известным ночным клубом Касабланки, оказывается на распутье, когда появляется дама, которую он любил, со своим мужем. Сюжетные приемы здесь — знаменитые письма о транзите, но история прямо о двух влюбленных, происходящих на фоне ранних этапов Второй мировой войны, и о трудном решении, с которым столкнулся персонаж Богарта: держаться или отпустить. Однако, как и во многих фильмах этого жанра, исполнение делает свое дело, превращая «Касабланку» в одну из самых захватывающих романтических драм всех времен, которая также невероятно хорошо сыграна; Хамфри Богарт и Ингрид Бергман на высоте, и их умело поддерживают такие игроки, как Пол Хенрейд, Клод Рейнс и Конрад Вейдт.

39. Барри Линдон (1975)

Глядя на кино как на искусство, невозможно отрицать совершенство Барри Линдона, от прекрасной кинематографии, завораживающих декораций, выдающейся музыки до мощной режиссуры. Как рассказ, он рассказывает о жизни молодого человека в Европе 18-го века, когда он поднимается по ступеням к аристократии только для того, чтобы злополучная судьба увела его обратно. Картина содержит в себе некоторые из величайших сцен, когда-либо снятых, с потрясающим использованием света, цветов, физических характеристик и т. д. Нет лучшего способа подытожить жизнь человека, чем посмотреть на нее объективно, и это то, что этот фильм сделал с использованием ненадежного рассказчика. Оно холодное и отстраненное, редко дающее зрителю возможность сочувствовать главному герою. С этой точки зрения, Барри Линдон - это щедрое исследование персонажей с богатыми персонажами, реалистичным подходом и поэтическим способом передачи эмоций. Это просто кино во всей красе.

38. Генерал

Одно из старейших названий в списке, «Генерал», служит напоминанием о том, что многие современные шедевры боевиков находятся в очень длинной тени, отброшенной не кем иным, как гением немой комедии Бастером Китоном. Обладая творчеством столь же впечатляющим, как и Чарли Чаплин, милый бродяга последнего художника поменялся местами с кавалькадой восхитительно глупых персонажей в случае Китона; все окружено ощетинившейся кинематографической любознательностью, которая расширила границы среды в таких фильмах, как «Шерлок-младший» и «Оператор». И все это, даже не упоминая его выдающийся труд «Генерал» 1927 года: следуя за инженером Конфедерации, который спешит предупредить свою сторону о наступающих войсках Союза во время Гражданской войны в США. Его повествование формирует шаблон для недавнего «Безумного Макса: Дорога ярости» Джорджа Миллера и почти для всех когда-либо снятых фильмов в кошки-мышки, сохраняя свою жизнерадостную комедию, впечатляющие спецэффекты и браваду, в которой Китон подвергает свою жизнь опасности. чем однажды все для лести его любящих зрителей. «Генерал» остается одним из, если не лучшим боевиком из когда-либо созданных — тем, который веселится каждой клеточкой своего существа и умудряется вызвать столько великолепно обработанных моментов эпического масштаба, что может соперничать с любой шумной компьютерной игрой, сделанной сегодня.

37. Взрыв (1966)

Время ? Свингующие шестидесятые. Место? Лондон. Город, который ослепляет и ослепляет. Яркий и гламурный. Секс, наркотики и Rock'N'Roll. В общем, один день из жизни Томаса, фэшн-фотографа, живущего жизнью, скажем так, сомнительной морали. В день, полный событий, просматривая фотографии пары, которые он довольно исподтишка запечатлел в парке, он обнаруживает на них мертвое тело. Он идет туда же и находит тело мужчины из пары. В страхе он возвращается в свою студию и обнаруживает, что она разграблена, но осталась одна фотография мертвого тела. На следующий день тело исчезает. Кто убил его? И почему тело исчезло? Почему Томас чувствовал, что за ним следят? «Blow Up» — это классная работа режиссера Микеланджело Антониони, которая на протяжении многих лет вдохновляла многих режиссеров, включая Брайана Де Пальму и Фрэнсиса Форда Копполу.

36. Вечное сияние чистого разума (2003)

Головокружительное, сюрреалистическое прозрение любви и разбитого сердца никогда не исследовалось так и с таким успехом, как «Вечное сияние чистого разума». Пышный с красивыми изображениями и изобретательной музыкой, похожей на саундтрек эпохи немого, невозможно объяснить все о «Вечном сиянии чистого разума». Без сомнения, в фильме много слоев сложного для понимания повествования — хотя на самом деле все просто, когда вы начинаете следовать — это один из тех фильмов, которые приносят огромную пользу просто потому, что вы не можете удержаться от того, чтобы упасть в обморок из-за очень продуманная концепция и глубоко трогательный фильм что это такое. Но настоящая звезда шоу — его сценарист, Чарли Кауфман , который в образе «Вечного сияния чистого разума» вполне мог бы написать самый блестящий сценарий в истории кинематографа. Фильм, который не только по-своему уникален, но и бесконечно пересматриваем, и при каждом просмотре можно найти что-то новое.

35. Таксист (1976)

В «Таксисте» Мартин Скорсезе дает нам одного из самых беспокойных, маловероятных, но причудливых главных героев нашего времени в лице Трэвиса Бикла. Фильм следует за ним, когда он становится таксистом, чтобы справиться со своей бессонницей, и наблюдает, как его медленно одолевает все безумие в городе вокруг него. Настоящая победа «Таксиста» как фильма заключается в том, что ему удается подкрадываться к вам, медленно пробираясь сквозь аморальность и ужас, которые, кажется, оскорбляют Трэвиса Бикла. В этом он по праву заслужил свое отличие как психологического триллера, а не драмы, часто работая на большем количестве уровней, чем просто два. Фильм может показаться тревожным для некоторых из-за его темной темы, еще более мрачной трактовки и пригоршни насилия, но для зрителей, готовых смотреть сквозь него, это не что иное, как блестящая попытка понять роль человеческой психики, что чаще всего проявляется в форме бдительности. Я имею в виду, кто не размышляет о том, чтобы признать неправильность нашего времени и вернуть ее? Это глубоко укоренившаяся фантазия об исполнении желаний, с которой «Таксист» очень эффективно играет. В настоящее время этот фильм считается одним из самых важных фильмов, когда-либо созданных, и познакомил мир с силой, которой был Скорсезе.

34. Пути славы (1957)

Прежде чем Стэнли Кубрик приступил к исследованию необъяснимых аспектов общества, которые не только превзошли время, но и ожидания зрителей от самих себя, он создал эту захватывающую военную пьесу, которую я ставлю в один ряд с «Иди и смотри». В отличие от последнего, «Пути славы» извлекают душераздирающую интерпретацию WW из той же поверхностности человечества, которая доминировала в последних работах Кубрика. В мире Кубрика демоны покрыты не кровью и грязью, а медалями и гордостью, а ад роется в самом священном месте — дворе. В то время, когда индустрия приняла привлекательные 3 полосы, монохром Кубрика окрасил войну одним оттенком. Тела, лохмотья, бараки, дым, пепел, все замаскировано обычным зрелищем мучительной агонии.

33. Три цвета: красный (1994)

Самая грустная часть кончины художника — это когда вы думаете, что его последняя работа оказалась величайшей из когда-либо существовавших. Так было с польским режиссёром Кшиштофом Кесьлёвским и его последним фильмом «Красный». Кесьлевский уже объявил о своем уходе из кинопроизводства после премьеры фильма в Каннах в 1994 году, но его трагическая кончина почти через два года после того, как он объявил о своем уходе, делает его еще более грустным. «Красный» — заключительная часть его знаменитой трилогии «Три цвета», в которой рассказывается о молодой женщине, которая встречает старика после того, как случайно сбила его собаку своей машиной. Старик - судья на пенсии, отстраненный от жизни и любых эмоций, проводит время, шпионя за другими людьми. Между ними возникает маловероятная связь с тонким романтическим оттенком. «Красный» — о случайностях и совпадениях, которые поражают нас каждый день, и о нашей неспособности распознать красоту и значение этого. На протяжении всего фильма пронизывает необъяснимое чувство меланхолии о трагедии человеческой судьбы и времени и о том, как мы, люди в этом мире, так или иначе связаны между собой. «Красный» — это удивительный подвиг в кинопроизводстве и просто один из величайших фильмов, когда-либо созданных.

32. Сокровище Сьерра-Мадре (1948)

Как следует из названия, мы часто ассоциируем поиск сокровищ с пульсирующим приключением и связанным с ним выбросом адреналина. Но очень мало историй, рассказывающих об эмоциях, которые испытывают люди, отправляясь в путешествие за этим золотом. Часто говорят, что невзгоды раскрывают ваш истинный характер. «Сокровище Сьерра-Мадре» рассказывает историю, в которой жажда золота приводит к неприятным изменениям в персонажах, что в конечном итоге приводит к их индивидуальному опустошению. В то время как основное внимание уделяется жадности, развращающей совесть, изучение человеческого характера в неблагоприятных ситуациях остается со зрителем. Трагическая история о жадности и предательстве, этот фильм получил премию «Оскар» за лучшую режиссуру, лучший адаптированный сценарий и лучшую мужскую роль второго плана. С годами это стало культовой классикой для любителей кино по всему миру.

31. Криминальное чтиво (1994)

Криминальное чтиво — термин, обозначающий журналы или книги, освещающие насилие, секс и преступность. Благодаря этим элементам журналы разлетались как горячие блины. Тарантино взял эти элементы, смешал их вокруг трех историй и создал повествование, которое было не чем иным, как кинематографическим гением. Один из самых уникальных фильмов о поп-культуре, когда-либо созданных, зритель знакомится с миром наемного убийцы мафии Винсента Веги, его соучастника в преступлении и болтуна Джулса Виннфилда, жены гангстера Миа Уоллес, боксера Бутча Кулиджа. его стильное обращение с преступностью и насилием. Одним из наиболее важных аспектов фильма, который способствовал его успеху, была игра Сэмюэля Л. Джексона. Как наемный убийца Джулс Уиннфилд, который цитирует библейские стихи в качестве изюминки, он был феноменален. «Криминальное чтиво», один из величайших фильмов этой эпохи, стал учебником для начинающих кинематографистов во всем мире.

30. Битва за Алжир (1966)

Немногие фильмы несли на себе бремя политики таким образом, чтобы это обогащало их кинематографический эффект, но пусть провокационный итальянский маэстро с ловким именем Джилло Понтекорво взял все еще кипящую точку воспламенения французского колониального угнетения алжирского народа в конце 50-х годов и превратил ее во что-то. совершенно убедительно. Все еще провидческие параллели с удивительно нейтральным наблюдением Понтекорво за террором и терроризмом, совершаемыми обеими сторонами, которые сегодня проводят, делают переживание «Битвы за Алжир» захватывающим интеллектуальным вызовом нашему пониманию черно-белой войны, а-ля пронзающая холодность Миклоша Неизгладимая фильмография Янчо. Более того, его методы редактирования кинохроники являются важной вехой в кинокоммуникациях, и, на мой взгляд, они гораздо сильнее использовали безумные методы резки «Новой волны», чем многие из ее исследовательских мачт. Однажды увиденный, никогда не забываемый — «Битва за Алжир» — просто знаковое произведение мирового кинематографа.

29. Славные парни (1990)

Мечта режиссера — создать фильм, эпохальный эпохе, в которой он был снят. Но для Мартина Скорсезе — это привычка. За каждое десятилетие, когда он был в списке лучших, он снял фильм, который считается одним из величайших фильмов того периода. Он снял «Таксиста» в 1970-х, «Бешеного быка» в 1980-х, «Славных парней» в 1990-х, «Отступников» в 2000-х и «Волка с Уолл-стрит» в 2010-х. И именно гангстерская драма 1990 года, основанная на реальной истории сообщника бандита Генри Хилла, стала одним из эталонов жанра. Фильм, рассказанный Хиллом от первого лица, рассказывает о его взлете и падении в составе нью-йоркской мафии с 1955 по 1980 год. аутентичные мелочи повседневной гангстерской жизни, в которых основное внимание уделяется отношениям Хилла с его женой Карен, а также его подвигам с товарищами по банде. Но Скорсезе использует все стрелы в своем колчане трюков, чтобы сделать это дело заманчивым, как этот легендарный дальний следящий выстрел , запоминающиеся диалоги и взрывная игра Джо Пеши в роли Томми ДеВито, буйного соратника Хилла. Когда дело доходит до криминального жанра, «Славные парни» настолько хороши, насколько это возможно.

28. Бешеный бык (1980)

Мартин Скорсезе известен тем, что изображает в своих фильмах истории сломленных, ущербных, часто саморазрушительных героев. И он часто просматривал анналы истории, чтобы найти своих павших героев в реальных историях. «Бешеный бык» — это история жизни легендарного боксера Джейка ЛаМотты, чья саморазрушительная и навязчивая ярость, сексуальная ревность и животный аппетит, сделавшие его чемпионом на ринге, разрушили его отношения с женой и семьей. Фильм полностью снят в черно-белом цвете, чтобы по-настоящему передать эпоху, в которой он был установлен, и мрачное, депрессивное настроение, которое оно определяло. Скорсезе ожидал, что это будет его последний проект. Таким образом, он был кропотливо требовательным в своем кинопроизводстве. Не менее преданным был Роберт Де Ниро, сыгравший главную роль. Он набрал 60 фунтов и на самом деле тренировался как боксер. Он с пламенным совершенством впитывает отрывистые манеры ЛаМотты, полностью погружаясь в характер. Он получил заслуженную за свои хлопоты. Это самый большой триумф Скорсезе-Де Ниро. Интенсивный, мощный магнум опус.

27. Крестный отец: Часть 2 (1974)

В истории вторых частей было известно лишь несколько фильмов, достойных славы первых, не говоря уже о том, чтобы превосходить их в некоторых аспектах. Если составить список таких фильмов, то «Крестный отец 2» станет его жемчужиной. Жить в соответствии с наследием первого было само по себе гигантской задачей, но это продолжение саги «Крестный отец» не только преуспело в этом, но и расширило свое наследие, став частью величайшей американской истории об организованной преступности, когда-либо рассказанной. В фильме представлены два параллельных повествования; один посвящен Майклу Корлеоне как новому главе «семейного бизнеса» Корлеоне, второй демонстрирует превосходного Роберта Де Ниро в роли молодого Вито Корлеоне и его приход к власти. Две истории искусно переплетены, обеспечивая захватывающее повествование, которое ни разу не ослабляет хватку зрителя. Аль Пачино делает здесь одну из своих лучших работ, его новообретенный взгляд буквально прожевывает декорации каждый раз, когда он появляется на экране. Один из тех почти идеальных фильмов, которые можно смотреть независимо от времени, места и вашего последнего просмотра, и вы все равно в конечном итоге испытываете полное подчинение и трепет перед ним. Если Часть I — это святой алтарь, то Часть II — это хлеб и вино.

26. Заводной апельсин (1971)

Первое, что, вероятно, приходит на ум, когда вас просят описать этот фильм одним словом, это «тревожный». Единственный фильм в списке, который я осмеливаюсь пересмотреть, я несколько раз ловил себя на том, что вздрагиваю во время просмотра этого фильма. «Заводной апельсин» — это самый бескомпромиссный социальный комментарий, предлагающий суровые образы, от которых никто никогда не сможет оправиться. Он темный, запутанный и не дает искупления тем, кто ищет его в фильме с, вероятно, самым мрачным исполнением антиутопии с точки зрения общества. И в этом, я считаю, заключается успех фильма в донесении тревожного сообщения до сознания. Нетрадиционный в любом случае, который вы можете себе представить, он дает нам главных героев, которые злобны до глубины души и потворствуют актам ультранасилия и изнасилованиям; он комментирует социально-политическое положение вещей самым резким образом, который вы только можете себе представить, ставит вас в замешательство, поскольку Алекс ДеЛардж (которого играет харизматичный Малкольм Макдауэлл) подвергается бесчеловечным способам переделки и заканчивает тем, что оставляет аудиторию в замешательстве. фарраго из всех вещей, которые это тревожное переживание заставляет вас чувствовать одновременно. Действительно, произведение кубриковского масштаба.

25. Головокружение (1958)

История «Головокружения» такова: бывший детектив Скотти (Джеймс Стюарт) страдает акрофобией из-за инцидента, произошедшего при исполнении служебных обязанностей. К нему подходит старый друг, чтобы присмотреть за его женой Мадлен, которую он считает одержимой. Первоначально настроенный скептически, Скотти вскоре становится саморазрушительно одержим симпатичной дамой, которая, кажется, намного больше, чем она показывает. Великолепие Альфреда Хичкока заключается в том, что его лучшие фильмы, захватывающие с первого раза, при каждом последующем просмотре, кажется, открывают для зрителя новый уровень понимания. Конечно, при беглом взгляде: «Головокружение; хорошо продуманная психологическая тайна убийства. Но по мере того, как вы смотрите его снова и снова, его темы мужской агрессии и построения женского образа в сознании мужчины начинают разворачиваться, как бесконечная коробка, и поглощать вас. Вероятно, это самый стареющий фильм из когда-либо созданных. О медленно горящем блеске « Головокружения» свидетельствует тот факт, что после неоднозначных отзывов этот фильм широко считается одним из величайших фильмов, когда-либо созданных. Шедевр от мастера триллеров.

24. Хиросима, любовь моя (1959)

Фильм «Hiroshima mon amour», рожденный мыслителем французского левобережья Аленом Рене, плачет трансцендентной силой. Его история времени переплетается с воспоминаниями и шрамами о том, что произошло в Хиросиме во время Второй мировой войны, рассказанной двумя людьми - одним французом, одним японцем - когда они пытаются собрать воедино преобладающее сообщение о разрушениях, вызванных там. За исключением того, что от такой глупости нельзя получить ни интеллектуальной, ни эмоциональной выгоды. Это произведение, пропитанное международным горем, которое выходит за пределы самого конфликта и касается правды и репрессий, преследующих людей каждый божий день. Через отголоски атомного взрыва мы находим частичку того, что не так с нами. Тот факт, что Рене просто понимает эту неприкасаемую путаницу, а не пытается ее исправить, делает «Hiroshima mon amour» одним из величайших шедевров кинематографа.

23. У Рэндома Бальтазар (1966)

Пустынный шедевр Робера Брессона — это упражнение в чувстве. Он уклоняется от определения ясного главного героя или центральной темы, если только вы не считаете чудесную силу природы, которой является Бальтазар, и если вы принимаете фильм за чистую монету, вы этого не сделаете. Но если вы позволяете ему быть вашей точкой доступа к эмоциональному и тематическому ландшафту фильма, трудно вернуться из него без вознаграждения. Своеобразный, скудный и хладнокровный визуальный стиль Бальтазара в ретроспективе кажется почти гламурным; его безмятежная хрупкость окутана безропотным, исключительно мудрым чувством контроля. Даже за его осязаемой честностью скрывается тщательно продуманное усилие немного сдержаться, чтобы в простоте обстановки и характера питать богатство, оставленное публике для открытия, а в некоторых захватывающих дух случаях - для воображения. Поскольку актеры так мало говорят о своем затруднительном положении, мы переживаем случайные, необоснованные акты жестокости и чувствуем удушающую печаль. за их. В форме, в которой даже самые опытные художники стремятся только обострить чувства зрителей, приспосабливаясь к испытанному и испытанному, образы Брессона предоставили мне лирический шаблон, на котором можно основывать величину моего сострадания, чтобы даже оценить, насколько сознательно это сострадание. .

Все это возвращает меня к моей первоначальной мысли. Придание значения каждому моменту в «Бальтазаре» зависит не от того, принимаем ли мы его содержание за аллегории социального или даже политического характера, а от того, как они заставляют нас Чувствовать наслаждаясь их сложностью и тишиной, вместо того, чтобы полагаться на бессмысленную экспозицию, к которой прибегают в большинстве фильмов. Тогда совершенно логично, чтобы главный герой был одноименным ослом.

22. Andrei Rublev (1966)

Я считаю, что «Андрей Рублев» — это величайший пример концепции русского режиссера Андрея Тарковского о скульптуре во времени. Многие из его последних работ были абстрактными, поскольку он имел дело с невероятно личными темами и визуализацией, разбросанной по разным периодам времени. В «Андрее Рублеве» Тарковский запечатлел само время, а затем обвел его глубочайшими оттенками души художника. Тарковский, пожалуй, единственный режиссер, который смог достичь высочайшего уровня в изображении репрессий художника. Он исследует репрессивные режимы России, столь же присущие стране, как и ее глубокая литература, которая неожиданно поставила под сомнение самые важные вопросы, касающиеся духовного и метафизического. В путешествии Андрея Рублева можно проследить многие из поздних черт Тарковского, в том числе снимать течение природы. Это фильм, который снимает вас, потрясает и заставляет задуматься — как во время фильма, так и спустя долгое время после того, как пошли титры.

21. Приключение (1960)

Как вы относитесь к неразгаданной тайне? Или незаконченная история? Вы ищете завершение, отчаянно ища его? Или вы принимаете факты, а затем идете дальше? Разве это не жизнь? Компромисс и двигаться дальше? Фильм, принесший Микеланджело Антониони признание во всем мире, «Приключение» — это история молодой женщины, исчезнувшей во время путешествия на яхте вдоль побережья Сицилии. Поиски сводят вместе ее бывшего любовника и лучшего друга, и начинаются тревожные отношения. Хотя история строится вокруг поиска пропавшей женщины, ее истинная цель состоит в том, чтобы построить повествование, не сосредотачиваясь на каком-то крупном событии, но при этом способное увлечь аудиторию. Истинные мотивы центральных персонажей никогда полностью не объясняются, и к концу фильма зритель вынужден смириться с тем, что некоторые события остаются необъясненными, как и жизнь. Бесспорный шедевр!

20. На последнем дыхании (1960)

Задолго до того, как Квентин Тарантино пробился на американскую инди-сцену со своим дико индивидуалистическим подходом к кинопроизводству, в котором акцент делался на стиле, а не на содержании, был человек по имени Жан Люк-Годар, который бесстрашно взялся за традиционную кинематографическую грамматику и безрассудно нарушил ее. вниз, переопределяя и формируя фильмы такими, какими мы их видим сегодня, с фильмом под названием «На последнем дыхании». Пожалуй, ни одному другому фильму не удалось запечатлеть мимолетное безумие юности так, как «На последнем дыхании» с его безрассудной энергией и опьяняющей атмосферой. Причудливое использование переходов оживляет присущее безумие предпосылки, поскольку Годар яростно отталкивает вас от своих персонажей, прося вас сосредоточиться на фрагментарных аспектах сюжетной линии, а не на истории в целом. «На последнем дыхании» — один из самых важных кинодебютов в истории кино, и, хотя он продолжает поляризовать киноманов и критиков, нельзя отрицать влияние, которое он оказывает на современный кинематограф.

19. Семь самураев (1958)

Акира Куросава — один из самых оригинальных, влиятельных и авторитетных режиссеров, которые когда-либо жили. Роджер Эберт однажды сказал о Куросаве: «Можно утверждать, что этот величайший из режиссеров дал работу героям боевиков на следующие пятьдесят лет, и он не мог быть более правдивым». «Пригоршня долларов» Сергео Леоне, которая, как говорят, дала начало жанру спагетти-вестерна, была вдохновлена ​​«Ёджмбо» Куросавы. Наша текущая работа также является водоразделом в техническом и творческом плане и вдохновила на бесчисленное количество прямых пересказов. а также многие визуальные элементы в современном кино . Эпическая драма рассказывает историю семи ронин (самураи без хозяина), которые берутся за оружие, чтобы защитить бедную цивилизацию, в которой больше нет места для них, от набегов бандитов в Японии 16-го века, кульминацией которых является ожесточенная решающая битва. Но великолепие «Семи самураев» заключается в том, что в основной драме рассказывается множество хорошо продуманных историй разных жанров. В фильме присутствуют элементы экшена, приключений, романтики и взросления. Он также состоит из персонажей, столь же богато проработанных, как редкий стейк, которые позже станут основными продуктами многих жанров. Действительно вдохновляющее произведение искусства.

18. Древо жизни (2010)

«Древо жизни» — это высшая форма кино: оно просто не рассказывает историю, а стремится изменить вашу жизнь. Это фильм, который займет у вас время, и когда это произойдет, вам будет трудно не думать о нем постоянно. Кинематографическая поэма необычайного размаха и амбиций «Древо жизни» предлагает зрителям не только наблюдать, но и размышлять и чувствовать. Проще говоря, это история о путешествии в поисках себя. В самом сложном виде это размышление о человеческой жизни и нашем месте в великой схеме вещей. Неважно, в какую веру вы верите и верите ли вы вообще в высшую сущность. Настоящее чувство удивления в фильме возникает из-за волшебства, которым является сама жизнь. Самое прекрасное в фильме то, что со временем он становится все лучше, как хорошее вино.

17. Крупный план (1990)

Покойный великий иранский писатель Аббас Киаростами часто видел красоту и поэзию в самых нелепо обыденных эпизодах человеческой жизни. С обманчиво простыми сюжетами и натуралистичными настройками Киаростами исследовал универсальные темы, которые плавно преодолевали культурные барьеры из-за того, в какой человечности было заключено его кино. «Крупный план», возможно, его самая совершенная работа и одна из самых оригинальных, изобретательных работ. кинематографического искусства, когда-либо созданного. Фильм представляет собой документальную беллетристику, в которой рассказывается о реальном судебном процессе над человеком, который выдал себя за иранского кинорежиссера Мохсена Махмальбафа. В актерский состав вошли люди, которые действительно участвовали в судебном процессе, сыграв в фильме самих себя. «Крупный план» — это удивительное исследование человеческой идентичности, увиденное глазами обычного человека, пытающегося справиться с собой и своей жизнью, и из отчаянной печали и искренней любви к искусству кино он вступает в шкуру своего кумира, чтобы знать, что значит быть по-настоящему живым, любимым и уважаемым. Это кино высочайшего уровня.

16. Жанна Дильман, 23 года, Quai Du Commerce, 1080 Брюссель (1975)

Этот французский авангардный фильм с Дельфиной Сейриг в главной роли — не просто кинематографический опыт. Он ближе к упражнению — испытанию и воздействует на вас так, как немногие другие фильмы до или после. Независимая часть посвящена трем дням из жизни одинокой, беспокойной домохозяйки, которая выполняет свой строгий график, наполненный мирскими домашними делами. Она мать и вдова, которая по вечерам занимается сексом для джентльменов, чтобы заработать на жизнь. Проблемы возникают, когда на второй день ее распорядок слегка нарушается, что приводит к своего рода эффекту домино, который отражается в последующие часы. Жанна Дильман затягивает в свой медленный и медитативный мир с характерным режиссерским почерком Акермана, включающим диегетическую атмосферу и гипнотическую ауру, вызванную спокойной, тонкой и терпеливой личностью шедевра, который является болезненным торжеством монотонности существования.

15. Расёмон (1950)

Один из самых нетрадиционных и экспериментальных фильмов своего времени, «Расёмон» наблюдает за мастером за работой, изо всех сил используя свои навыки повествования. Проще говоря, это отчет об инциденте, который произошел с четырех совершенно разных точек зрения: обвиняемых, жертв и тех, кто утверждает, что является очевидцем. Он выделяется по всем техническим причинам почти безупречным монтажом и мастерской режиссурой, но фильм обеспечивает свои победы по тематическим вопросам, которые он затрагивает; вопросы о существовании абсолютной истины. Действительно ли истина так объективна и несправедлива, как ее изображают, или с ней связана какая-то субъективность? Обычно он объективен или, по крайней мере, широко считается таковым, и, по-видимому, не имеет других его версий. Этот фильм ставит под сомнение это таким образом, что сам зритель остается раздраженным вопросами, также часто комментируя, как люди иногда не совсем честны даже с самими собой. Он настолько тематически сложен, насколько это возможно, но выглядит настолько простым, насколько вы хотите.

14. Сталкер (1979)

Удерживая своих меньших потомков, включая чрезвычайно успешный телесериал «Мир Дикого Запада», колоссальное влияние «Сталкера» на визуальное повествование невозможно переоценить. Идеи — философские, духовные и научные — а также их искусное, великолепное кинематографическое исследование в «Сталкере» нашли свое отражение во многих последующих научно-фантастических произведениях. Это не столько скольжение, вызывающее транс и точечное, абстрактное движение или душераздирающее использование монохроматической сепии за пределами Зоны и запечатлевающие цвета мест в Эстонии, которые нашли отражение в работах таких режиссеров, как Терренс Малик. и Лав Диас, чтобы назвать несколько, но стойкое терпение и смирение. В значительной степени передавая философское господство зрителю, Тарковский оставляет так много места для того, чтобы зрители могли открыть для себя многочисленные метафизические грани фильма, что даже его непревзойденная буквальная и визуальная поэзия кажется в такой же мере плодом нашего вымысла, как и его выдумки. и его сотрудников». И все же фильм остается в стороне, ведя нас в непостижимые тайны ума и сердца, и мы никогда не разгадываем их, потому что прямой путь никогда не бывает правильным.

13. Фанни и Александр (1982)

Спустя почти 35 лет после первого выпуска финальная режиссерская работа Бергмана так же увлекательна для анализа, как и для критиков по всему миру в то время, которые, казалось, боролись за то, чтобы их мнение о ней было услышано. Эти мнения были гораздо более противоречивыми, чем сегодня, но место фильма в фильмографии Бергмана по-прежнему трудно определить. По тону, структуре и простому масштабу он не похож ни на что, что Бергман сделал до того момента. Но это также несомненное объединение всех его тематических и визуальных инстинктов, переплетенных в этом жизнеутверждающем гобелене семьи в Швеции начала 1900-х годов. Его живописное изобилие, кажется, захватывает все ваше внимание при первом просмотре с его глубоко захватывающими вариациями красного, зеленого и мягкого, теплого желтого, которые образуют такую ​​опьяняющую цветовую палитру, что его отсутствие — когда все задрапировано белым, черным и резким синим — кажется карательным. Тщательно написанные хроники Бергмана излучают воодушевление семейного пикника и обладают знакомостью человеческих уз, десятилетиями скрепляемых искренней, хрупкой привязанностью. В этом щедро смонтированном изображении жизни рождение и смерть случайны. В маленьком мире, в котором обитают эти персонажи, как и большинство из нас, окружающие радости — это все, на что можно надеяться, и их достаточно для них, как и должно быть для нас. Это все иллюзия? Глядя на то, как этот гигантский ансамбль творит такие чудеса, можно так подумать. Если это так, поверьте мне, вы не хотите, чтобы он разбился.

12. Апокалипсис сегодня (1979)

Есть фильмы о войне, которые показывают хитросплетения войны (например, «Враг у ворот»), другие, которые осуждают и ненавидят саму идею войны (например, «Пианист»), а еще есть дерзкий «Апокалипсис сегодня», который не предлагает мнение или вывод, а вместо этого обнажает графическое изображение ужасов войны, прославляя солдат, которые принимают в ней участие. По сей день не утихают споры о том, является ли «Апокалипсис сегодня» провоенным или антивоенным. Нравится или нет; наверняка вы это запомните. Один из самых проблемных спектаклей в истории Голливуда, окончательный вариант сценариста и режиссера Фрэнсиса Форда Копполы стал его самой технически блестящей работой. Суть проста: капитан Уиллард должен с крайним предубеждением покончить с полковником Курцем, который вторгся на вражескую территорию и ушел в самоволку. Но именно изнурительное путешествие Уилларда по ужасающим полям сражений Вьетнама (подчеркнутое захватывающей дух кинематографией Витторио Стораро) остается в памяти даже после окончания титров. Показывая одну запоминающуюся сцену за другой и определяющие выступления Мартина Шина в роли Уилларда, Марлона Брандо в роли Курца и Роберта Дюваля в роли «энтузиаста напалма» подполковника Килгора, «Апокалипсис сегодня», как справедливо заметил Коппола, не о Вьетнаме. Это Вьетнам.

11. 400 ударов (1959)

«400 ударов» Франсуа Трюффо — настоящее произведение искусства, созданное настоящей болью. По-настоящему искреннюю и глубоко личную работу Трюффо посвятил своему духовному отцу и всемирно известному теоретику кино Андре Базену. Явно автобиографическое по своей природе, собственное детство Трюффо было беспокойным, и это очень отчетливо отражено в фильме. Снаружи фильм рассказывает о правонарушениях несовершеннолетних и подростков, которые часто вызваны пренебрежением со стороны общества и родителей. Посмотрите немного глубже, и вы найдете фильм о надежде; надежда, которая одновременно интенсивна и терапевтична. Антуан Дуанель, главный герой, в каком-то смысле является суровым представителем самого общества, общества, которое скрывает свои неудачи за правилами, наказаниями и приговорами. Фильм течет, как река, и ведет зрителей по пути надежды, отчаяния, сочувствия и даже чистого гнева. Если вы когда-нибудь хотели увидеть, как выглядит шедевр, обратите внимание на «400 ударов».

10. Малхолланд Драйв (2001)

Дэвид Линч не кинорежиссер. Мужчина мечтатель. А «Малхолланд Драйв» — величайшая мечта, которую он когда-либо видел. Сон, который заключает в себе все эмоции, которые охватывают человеческое существование. Трудно объяснить или описать такой фильм, как «Малхолланд Драйв», потому что это фильм об опыте и о том, что вы извлекли из него, а не о сюжете, основанном на обычном повествовании, которое дает вам ответы, которые вы с радостью заберете домой. Линч часто заявлял, что его видение фильма в основном основано на многочисленных идеях и чувствах. И это становится воротами к пониманию такого сложного и многослойного фильма, как «Малхолланд Драйв». Это лабиринт мечтаний, амбиций, желаний и кошмаров. Линч знает, что нас пугает больше всего и что доводит до полного безумия. И именно это тревожно интимное отражение человеческого подсознания делает «Малхолланд Драйв» таким глубоко душераздирающим произведением искусства. Тот, который окутывает вас чувством тепла и нежности, прежде чем пронзить ваш череп.

9. Похитители велосипедов (1948)

Простота — это высшая степень изысканности — Леонардо да Винчи. Одна из самых сложных задач в кинопроизводстве — решить, когда закончить фильм. Концовка «Похитителей велосипедов» тонально совпадает с началом, поскольку мы начинаем с Антонио, обычного человека, выходящего из толпы, до Антонио, обычного человека, растворяющегося в толпе. Жизнь в послевоенном Риме превратила каждый день в борьбу, и мало кто выбирался из этого болота страданий. Есть очень мало фильмов, которые обеспечивают такой глубокий самоанализ, как «Похитители велосипедов». Это фильм, который разобьёт ваше сердце на куски, но при этом вдохновит вас жить полной жизнью. Редко фильм, настолько простой в своей основе, настолько блестяще эффективен в своем послании. Забыть фильм после просмотра практически невозможно. Хотя самое большое достижение фильма заключается в том, сколько независимых режиссеров он вдохновил, которые и по сей день ссылаются на «Похитителей велосипедов» как на источник вдохновения.

8. Токийская история (1953)

«Токийская история» — это то, к чему стремится каждый режиссер, желающий рассказать осмысленную историю. Очевидно, что все они проигрывают! Нет лучшего примера фильма, который так просто, но мастерски, эффектно и незабываемо передает эпическую историю. С «Токийской историей» Ясудзиро Одзу достиг того, о чем мечтает каждый живущий режиссер: навсегда остаться в сердце и уме зрителей. Любой, кто видел «Токийскую историю», поймет, о чем я говорю. В фильме рассказывается история стареющей традиционной японской пары, которая навещает своих детей в Токио только для того, чтобы горько осознать, что их дети слишком заняты своей жизнью, чтобы заботиться о них, и очень отдалились от них в культурном и эмоциональном плане. . Что еще замечательного в этом фильме, так это его универсальная тема, с которой может столкнуться каждый и где угодно. Кинематографический стиль Одзу также гарантирует, что вы погрузитесь в историю, которая предлагает глубокое понимание того, как меняется человеческая психика с течением времени. Просто гениально!

7. В настроении для любви (2000)

«В настроении для любви» — просто величайшая история любви, когда-либо снятая на пленку. Период. Это вполне могло быть пьесой или даже стихами. С красивыми, пленительными изображениями и изысканной, пронзающей душу музыкой, «In The Mood For Love» рассказывает сложную историю двух простых людей. Два человека, которые проходят через страх и искушение влюбиться; и однажды влюбившись, чистую боль оставить его незавершенным. «В настроении для любви» изображает любовь в ее самой уязвимой форме. И тем самым раскрывает нашу собственную уязвимость и то, насколько мы беспомощны перед любовью. Редко какой фильм, столь сдержанный и сдержанный, производит такое впечатление после просмотра.

Я не уверен, намеревался ли режиссер Вонг-Кар-Вай снять фильм, который он сделал, учитывая, что он в основном снимал фильм без сценария. Если вы посмотрите на историю, самые определяющие произведения искусства — это счастливые случайности. Среди них есть «In the Mood For Love».

6. 8 1/2 (1963)

Занявшая восьмое с половиной место в фильмографии итальянского маэстро, эта душная, сочная эпопея из фантазий, кошмаров и слишком замутненной реальности похожа на бисквит – решительно абсурдной формы и испеченной так, что не позволяет съесть ее целиком в один раз. Его пугающая, беспокойная операторская работа дополняет сознательное видение Феллини кинорежиссера, пытающегося передать в своем новом фильме множество меняющихся переживаний, которые он пережил на протяжении своей запутанной жизни. Полуавтобиографический, каким бы он ни был, «8 1/2» проносится мимо своей аудитории со всей своей восхитительной сложностью в таком радикальном темпе, что я поймал себя на попытке деконструировать его искусно составленные образы, чтобы найти свое собственное место в повествовании. Феллини возвышался над специфичностью, но так и не смог прочно приземлиться на землю.

Используя затененную серьезность Марчелло Мастроянни, чистое электричество Феллини может быть ошеломляющим. Вы цепляетесь за свое восприятие определенного момента и признаете его знойное богатство только для того, чтобы обнаружить, что режиссер перешел к другому трепещущему, восхитительно уравновешенному эпизоду. Его идеи о художниках и их сбивающей с толку, нелепой одержимости собой могут показаться устаревшими или, что еще хуже, неуместными, но дерзость их построения и выражения никогда не ускользает от нас. Он очаровывает и очаровывает нас, не позволяя нам оторвать от него глаз, а затем ускользает сквозь пальцы, когда до нас доходит, что он никогда не был у нас в руках. Феллини мало чем отличается от ясновидящей Майи из фильма, которая, кажется, знает, о чем все думают: умение, которое ее помощница приписывает телепатии. Когда наш главный герой, Гвидо, спрашивает ассистента о том, как она это делает, он прямо отмечает: «Отчасти это уловка, а отчасти — правда». Не знаю, но бывает. Нет слов, которые могли бы быть более подходящими для описания фильма.

5. Человек (1966)

Думаю, можно с уверенностью сказать, что «Персона» в одиночку сломала кинематограф. Будучи на первый взгляд фильмом ужасов, классика Ингмара Бергмана 1966 года — это скорее исследование индивидуальной идентичности, чем что-либо еще. Используя инновационные методы монтажа, резкие ракурсы, холодные выражения, захватывающие диалоги и великолепную режиссуру, этот фильм максимально двусмысленно рассказывает историю известной актрисы, потерявшей голос, и медсестры, которая заботится о ней. в уединенном доме, где их отличительные черты постепенно начинают сливаться друг с другом. Будучи самым кинематографическим предприятием режиссера, «Персона» обязательно искажает все общепринятые правила кинопроизводства, чтобы попытаться создать свежий и захватывающий опыт. С некоторыми из величайших актерских игр, когда-либо воплощенных в целлулоиде, атмосфера фильма помогает нам понять вопросы, которые у нас есть по этому поводу, разумно переключая наше внимание на ремесло, которое используется в игре. Ничего похожего на «Персону» просто не существует, и это вполне может быть фактом.

4. Крестный отец (1972)

Возможно, самый влиятельный фильм из когда-либо созданных. Одна из редчайших адаптаций, которая на самом деле лучше исходного материала — в данном случае это одноименный роман Марио Пьюзо — фильм пережил века и является классикой в ​​​​прямом смысле этого слова, которая с каждым разом становится только лучше. просмотр. Фильм рассказывает о мафиозной семье дона Вито Корлеоне и фокусируется на переходе его сына, когда он берет на себя семейный бизнес после кончины патриарха. Без сомнения, выступления являются одной из главных сильных сторон этого фильма, и великие люди, включая Марлона Брандо в роли Вито Корлеоне и Аль Пачино в роли Майкла Корлеоне, переопределяют стандарты актерского мастерства своими выступлениями. Все остальное, особенно сценарий, кинематография и саундтрек, создающие настроение, ожидаемо имеют рейтинг А и определяют жанр. По правде говоря, не существует киномана, который не видел этот шедевр кино. Это алтарь, куда мы ходим молиться.

3. Гражданин Кейн (1941)

Святой Грааль американского кино. «Гражданин Кейн» определил почти все аспекты искусства кино. Фильм, который нарушил бесчисленные условности кинопроизводства только для того, чтобы создать новые. Начиная с новаторских технических решений, включая освещение, звук и визуальные эффекты, и заканчивая инновационным стилем повествования, «Гражданин Кейн» изменил способ создания фильмов. Фильм представляет собой глубокое исследование характера, которое принимает форму мистической драмы, раскрывающей правду жизни загадочного издательского магната, чье последнее слово возбудило интерес репортера. Он отправляется в путешествие, исследуя человека, который когда-то начал свою жизнь с необузданных амбиций и желаний, но вскоре поддался соблазнительной силе жадности и власти. «Гражданин Кейн» — чрезвычайно мощное произведение искусства, в котором исследуются глубокие темы и запечатлеваются бесконечно сложные эмоциональные грани жизни человека.

2. Зеркало (1975)

Может ли искусство быть настолько личным, чтобы его нельзя было отличить от его создателя? Этот вопрос возник у меня, когда я впервые увидел «Зеркало» Андрея Тарковского. Это произведение искусства, где художник полностью отдается своей работе, и вы не можете отличить его от работы, которую он делает. Как будто Тарковский дышал весь фильм. Авторы создавали свои шедевры, изменяя и формируя кинематограф таким, каким мы его видим сегодня, но Тарковский сделал шаг вперед и достиг недостижимого; дающий жизнь своему искусству. «Зеркало» — это просто дышащее кино. Вы могли видеть Тарковского, его семью, культуру, в которой он вырос. На самом деле, вам удалось увидеть в ней себя, свою мать, и это ощущение дежа вю, которое приходит в голову, когда вы смотрите на эти места. Как будто ты был там, может быть, в жизни или где-то во сне. А для художника создать что-то личное и интимное — это нечто, поистине не поддающееся словам. Это фильм, подтверждающий то, что мы всегда знали: кино — величайшее искусство.

1. 2001: Космическая одиссея (1967)

Как и любая другая запись в этом списке, «2001» также является уроком кинопроизводства. Несколько режиссеров, в том числе такие, как Кристофер Нолан и Дени Вильнёв, рассказали о том, как фильм вдохновил их. Так что да, фильм - техническое чудо. Но не поэтому этот фильм возглавил этот список многих замечательных фильмов. Он находится на вершине, потому что это фильм, который осмелился пойти туда, где раньше не было ни одного фильма. Черт, никто даже не знал, что есть такое место, куда может стремиться кино. И если когда-либо искусство кино требовало причины или доказательства, чтобы подтвердить, что цель его существования гораздо больше, чем просто развлечение, то вот оно: совершенно неотразимая и в высшей степени мифическая «Космическая одиссея 2001 года».

Стэнли Кубрик практически всеми своими фильмами расширил горизонты кинематографа. В «2001: Космическая одиссея» он также придал новый смысл тому, чего может достичь кино. Большинство кинематографистов используют кино как средство, чтобы рассказать историю. Но Кубрик использовал кино, чтобы задать вопрос. Что он спросил? Все, от Бога до цели нашего существования. Хотя «2001: Космическая одиссея» сам по себе является очень интеллектуальным научно-фантастическим фильмом, в нем есть нечто большее. Я считаю, что это фильм, который больше похож на философский поиск, чтобы определить, существует ли Бог. Разговор о стремлении высоко!